1 feb. 2018

os estilos musicais


a Meiga Tintureira comparte con vosunha escolma  dos estilos musicais a partir do S. XX















Estilos  musicales a partir del SXX
 



BLUES
 

Orígenes musicales    Espiritual afroamericano y canciones de trabajo

Orígenes culturales           Música del África occidental, llevada por los esclavos al sur de Estados Unidos, especialmente al delta del ríoMissisipi. https://es.wikipedia.org/wiki/Misisipi

Instrumentos comunes

Guitarra, bajo eléctrico,batería, piano, armónica,saxofón, voz, trombón,trompeta



Popularidad Las progresiones de acordes del blues y las notas de bluesson ampliamente utilizadas en la mayoría de géneros musicales nacidos de él. El blues está reconocido como uno de los géneros musicales que mayor influencia ha tenido en la historia musical del siglo XX.
https://www.blogger.com/feeds/2671360887827002653/posts/default
 

Derivados     Jazz, Gospel, rhythm  HYPERLINK

Subgéneros

Blues clásico femenino, blues eléctrico, jump blues, piano blues, boogie-woogie

Fusiones

Zydeco, blues rock, jazz blues, country blues,punk blues, soul blues

Escenas regionales

Atlanta blues, blues africano, blues británico,Chicago blues, Delta blues, Detroit blues ,East Coast blues, Louisiana blues, Memphis blues, New Orleans blues, New York blues,Piedmont blues, St. Louis blues, swamp blues, Texas blues, West Coast blues

Enlaces

Músicos, escala blues



El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajorimas inglesasbaladas escocesas e irlandesas narradas ygritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bendvibratoslide) y de la armónica (cross harp), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtimejazz,bluegrassrhythm and bluesrock and rollfunkheavy metalhip-hopmúsica country y canciones pop.

 

 

        1 HYPERLINK"http://es.wikipedia.org/wiki/Blues"  HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Blues"Etimología




Etimología

La frase the blues hace referencia a los blue devils (diablos azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias athe blues puede encontrarse en la farsa , a farce in one act (1798) de George Colman.
https://www.youtube.com/watch?v=JeaBNAXfHfQ&list=PL5VFA_MlesytPz5wHC7zfVFZhbG6K0ERi

A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues ) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo. 

Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical». Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional». El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.

Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africanaSylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues. Eletnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África Occidental

Gehard Kubik

Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues.

La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airsminstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico. El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues «preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».

Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales dedoce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes.Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.

Letras

La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar. Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.

Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles».Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón.

Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses.

A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión, también puede adquirir tintes cómicos o humorísticos, y en muchos casos, connotaciones sexuales.

El autor Ed Morales afirma que la mitología yoruba jugó un papel importante en los primeros blues, citando el tema Cross Road Blues del músico Robert Johnson como una «referencia finamente velada a Eleguá, el orisha encargado de los caminos».Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.

Del estilo al género

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long BluesTrouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar deprogresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).

Hacia los años treinta, el blues con una estructura de doce compases se estandarizó. Los acordes blues asociados a una estructura blues de doce compases suelen estar compuestos normalmente por tres acordes distintos, los cuales son tocados a través de un esquema de doce compases:







I7
I7 o IV7
I7
I7
IV7
IV7
I7
I7
V7
IV7
I7
I7 o V7

En el gráfico superior, los números romanos indican los grados de progresión; en el caso de que se interprete en una tonalidad de fa, los acordes serían los siguientes:







F7
F7 o Bb7
F7
F7
Bb7
Bb7
F7
F7
C7
Bb7
F7
F7 o C7

En el ejemplo anterior, fa es el acorde tónico y sib es el acorde subdominante. La mayoría del tiempo cada acorde es tocado dentro de la estructura de séptima dominante. Frecuentemente, el último acorde suele ser el turnaround dominante (en los ejemplos anteriores corresponde a la V o a do) creando la transición al principio de la siguiente progresión.

Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último golpe del décimo compás o en el primer golpe del undécimo compás, siendo los dos últimos compases un momento de ruptura instrumental; la armonía de estos compases de ruptura, el turnaround, puede ser extremadamente compleja, consistiendo algunas veces en notas sueltas que modifican el análisis del tema por completo. El golpe final, al contrario que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado firmemente en la séptima dominante, para proveer de tensión al siguiente verso del tema.
Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de tercerasquintas y séptimas disminuidas (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente.Estos tonos de las escalas pueden reemplazar los tonos naturales de las escalas o añadirse a las mismas escalas, como es el caso de la escala pentatónica menor de blues, donde las terceras reemplazan a las terceras naturales, las séptimas a las séptimas naturales y las quintas se añaden entre las cuartas y las quintas naturales. Mientras que la progresión armónica de la estructura de doce compases ha sido utilizada durante siglos, uno de los aspectos más revolucionarios del blues fue el uso frecuente de las terceras, las séptimas e incluso de las quintas en la melodía, junto con elcrushing (tocar dos notas adyacentes al mismo tiempo, por ejemplo como las segundas disminuidas) y el sliding (similar a las notas de adorno).

Mientras que un músico clásico suele tocar una nota de adorno distintivamente, un cantante de blues, o un armonicista, tocará glissando, «golpeando las dos notas para soltar a continuación la “nota de adorno”». En las progresiones de acordes del blues, los acordes tónicos, subdominantes y dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes, siendo la séptima menor un componente importante de la escala. El blues suele tocarse ocasionalmente en una escala menor, diferenciándose ésta de la escala menor tradicional en el uso ocasional de la quinta en la tónica (cantada por el músico o por el instrumentista principal con la quinta justa en la armonía).

        El tema de Big Mama Thornton Ball and Chain, interpretado por Janis Joplin acompañada por Big Brother and the Holding Company, muestra un ejemplo de esta técnica.

        El blues en escalas menores suele estar estructurado en dieciséis compases en vez de doce, al estilo del género musical gospel, como puede comprobarse en el tema St. James Infirmary Blues y en el tema de Trixie Smith My Man Rocks Me.

        Algunas veces, se utiliza una escala dórica para los blues de escalas menores, siendo la nota menor la tercera y séptima pero la mayor correspondiendo a la sexta.

Los shuffles de blues refuerzan el rítmo y el patrón de llamada y respuesta, formando un efecto repetitivo denominado groove. Los shuffles más simples, ampliamente utilizados en el blues eléctrico, el rock and roll o en el bepop inicial de post-guerra, consistían en un riff de tres notas de las cuerdas graves de la guitarra; el efecto groove se creaba cuando se interpretaba este riffcon el bajo y la batería. Asimismo, el walking bass era otro dispositivo que permitía crear efectos groove.

El ritmo shuffle suele vocalizarse como «dow, da dow, da dow, da» o «dump, da dump, da dump, da»y consiste en ocho notas. Un ejemplo de esto puede encontrarse en la siguiente tablaturaque muestra los primeros cuatro compases de una progresión blues en mi:

    Mi7                  La7                  Mi7                  Mi7

Mi  |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|

Si  |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|

Sol |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|

Re  |-------------------|2--2-4--4-2--2-4--4|-------------------|-------------------|

La  |2--2-4--4-2--2-4--4|0--0-0--0-0--0-0--0|2--2-4--4-2--2-4--4|2--2-4--4-2--2-4--4|

Mi  |0--0-0--0-0--0-0--0|-------------------|0--0-0--0-0--0-0--0|0--0-0--0-0--0-0--0|

El blues en el jazz difiere en gran medida del blues en otro tipo de géneros musicales (como el rock and roll, el rhythm and blues, el soul o el funk). El jazz blues suele tocarse en el acorde V a través de los compases 9 y 10, enfatizando la estructura tónica del blues tradicional (resolución tónica sobre el subdominante). Esta cadencia final de acordes V-I conlleva por sí misma un gran número de variaciones, siendo la más básica de ellas la progresión de acordes ii-V-I en los compases 9, 10 y 11. A partir de este punto, la aproximación dominante (acordes ii-V) y la resolución (acorde I) pueden alterarse y sustituirse casi indefinidamente, incluyendo por ejemplo la omisión completa del acorde I (compases 9-12: ii | V | iii, iv | ii, V |). En este caso, los compases 11 y 12 funcionan como una extensión del turn-around para el siguiente coro.

Recomendaciones para reconocer los solos de blues instrumentales.

La escala pentatónica de blues siempre incluye una 5ta disminuida y resuelve en la 5ta justa de la tonalidad en la cual se esté ejecutando la progresión (shuffle); es importante recalcar que la ejecución de esta escala es para improvisación de solos instrumentales, mayormente en guitarra.

Historia de los distintos géneros del blues

Orígenes

El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.

En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado incorrectamente por las compañías discográficas.

Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. El economista e historiador afroamericano Thomas Sowell indica que la población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos redneck escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik y otros estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del blues.

Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se conocen en su totalidad. La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos. Paul Oliver cita un texto de Charlotte Forten, de1862, en el que ya habla de blues como estado de ánimo y de cómo algunas work songs se cantaban de forma especial, para superar los blues.

Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros años del siglo XX como un movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según Lawrence Levine había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues». Levine indica que «psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de tal manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es sorprendentemente complicado que su música secular reflejara este hecho al igual que hizo su música religiosa».



 

 


                                   Jessica Rabbit _Why don't you do right

Lucille Hegamin (1894-1970) -

Alberta Hunter (1895-1984)

Ma Rainey (1886-1939)

Clara Smith (1894-1935)

Mamie Smith (1883-1946)

Bessie Smith (1894-1937)

Sippie Wallace (1898-1986)

Ethel Waters (1896-1977)


                                               Louis Armstrong - When The Saints Go Marching In

Bo Diddley (1928-)                       Bo Diddley - Who Do You Love




JAZZ

Orígenes musicales           Blues, música africana,música clásica, minstrel

Orígenes culturales           Mediados del Siglo XIX enEstados Unidos

Instrumentos comunes

Corneta - Trombón - Trompeta- Tuba - Clarinete - Saxofón -Piano - Batería - Guitarra -Contrabajo - Violín - Vibráfono- Flauta - Fliscorno - Órgano Hammond - Bajo eléctrico -Piano eléctrico - Voz

Popularidad Muy alta en Estados Unidos en las décadas de los años 1920 y 30, y con un auge en círculos intelectuales de Europa y Japón, desde 1950en adelante. Extendido actualmente por todo el mundo, con numerosas escenas locales.

Subgéneros

Ragtime - New Orleans Hot - Dixieland -Swing - Bebop o Bop - Cool - West Coast jazz- Hard bop - Third Stream - Jazz latino - Funky jazz o Soul jazz - Free jazz - Post-bop - Jazz fusión.

Fusiones

Fusión Latina: Jazz afrocubano - Bossa nova/ Fusión contemporánea: Jazz rock - Acid jazz- Jazz rap - Jazz funk - Crossover Jazz -Modern Creative - Smooth Jazz - New age / Fusión étnica: Western swing - World music -Ska jazz - Jazz flamenco

El jazz (pron. /ʤæz/ en inglés, /ʝas/ en español) es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-ErnstBerendt, en su obra clásica El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock, nos dice:

El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.

El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

        Una cualidad rítmica especial conocida como swing;

        El papel de la improvisación;

        Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.2

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de Américadeclaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión individual» y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz siempre se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.

La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser aislada ni delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.





Ray Charles              Ray Charles- Unchain My Heart

Nat King Cole                      Nat King Cole - quizás, quizás, quizás

Bobby McFerrin                 Bobby McFerrin - Java Jazz Festival Sunday, 4 March      


Billie Holiday                     Billie Holiday - Summertime

                                   Janis Joplin - Summertime

                                   Maria Callas - summertime

 


ROCK
 

Orígenes musicales           jazz, blues, soul, country.

Orígenes culturales           A partir de los años 1960, enGran Bretaña, y de los años 1950, en los Estados Unidos.

Instrumentos comunes

guitarra acústica, bajo, batería,guitarra eléctrica, teclado.

Popularidad Muy alta en todo el mundo, desde su origen.

Subgéneros

Véase Anexo:Subgéneros del rock
Enlaces

https://es.wikipedia.org/wiki/Rock

Categoría:Música rock

Categoría:Historia del rock





El rock es un género musical del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de los diversos géneros musicales derivados delrock and roll. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que habitualmente se adicionan, con guitarrabateríabajo y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano.

El primitivo rock se deriva de gran cantidad de fuentes, principalmente bluesrhythm and blues y country, pero también del gospeljazz y folk, todas estas influencias combinadas en una simple estructura musical que, basada en blues, «era rápida, bailable y pegadiza».

Musicalmente, el rock se ha centrado sobre la guitarra eléctrica, usualmente como parte de un grupo de rock con un bajo y una batería. Típicamente, el rock es una música centrada en las canciones usualmente con ritmo 4/4 usando una estructura verso-coro, pero el género se ha vuelto extremadamente diverso y las características musicales comunes son difíciles de definir. Como la música Pop, las letras usualmente se centran en el amor romántico pero también tratan un rango amplio de otros temas con un énfasis frecuente en lo social y lo político. El dominio del Rock por músicos varones, ha sido visto como uno de los factores principales que definen los temas explorados en la música Rock. El Rock resalta aún más el énfasis en la composición, la actuación en vivo, y la autenticidad que la música Pop.

A finales de la década de 1960, referida como la “era dorada” o el periodo del “Rock clásico”, un número de subgéneros distintivos del Rock ha aparecido, híbridos como el Blues RockFolk RockCountry Rock, y el Jazz Rock fusión, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo delRock Psicodélico influenciado por la escena psicodélica contra-cultural. Los nuevos géneros que emergieron de esta escena incluyen el Rock Progresivo, el cual extendió los elementos artísticos; el Glam Rock, el cual resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual; y el subgénero mayor, diverso y longevo que es el Heavy Metal, el cual se centraba en el volumen, el poder y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el Punkintensifico y reaccionó contra algunas de estas tendencias para producir una música cruda y energética. El Punk fue una influencia en la década de 1980 en el desarrollo subsecuente de otros subgéneros, incluyendo el New Wave, el Post-Punk y eventualmente el movimiento del Rock Alternativo. Desde la década de 1990, el Rock Alternativo comenzó a dominar el género y saltó a la fama en las formas de GrungeBritpop e Indie Rock. Desde entonces han aparecido otros subgéneros de fusión, como el Pop PunkRap Rock y Rap Metal, así como intentos conscientes de recordar la historia del Rock, incluyendo la restauración de principios del nuevo milenio del Garage Rock, el Post-Punk y el Synthpop.

La música Rock también abarcó y sirvió de vehículo para los movimientos culturales y sociales, llevando a la creación de subculturas importantes incluyendo los Mods y los Rockers en el Reino Unido, y la contracultura hippie que se propagó en San Francisco (Estados Unidos) en la década de 1960. De forma similar, la cultura Punk de la década de 1970 originó las subculturas visualmente distintivas Emo y Gótico. Heredando la tradición folclórica de la Canción de Protesta, la música Rock ha sido asociada con el activismo político así como los cambios en las actitudes sociales sobre el racismo, el sexo y el uso de drogas, y es usualmente vista como una expresión de la rebelión juvenil contra el consumismo y conformismo de la población adulta.




Jerry Lee Lewis                   Jerry Lee Lewis - Great Balls of Fire



David Bowie           

Janis Joplin




Alaska                                   Alaska y Dinarama - A Quien Le Importa


Los Ilegales             

Kaka de Luxe                       Kaka de Luxe - En directo





  

ROCK ALTERNATIVO

El rock alternativo es un género musical que nació en los años 80 principalmente a partir del oscuro sonido del post-punk y sus subgéneros
que muchas veces utiliza música compuesta por sonidos y elementos musicales no tradicionales, con menos melodía, armonía o ritmo, apegándose a la llamada cultura underground (es decir, un género anti-popular, anti-comercial y contrario a los estilos comunes y populares). Alcanzó sus mayores cuotas de madurez y popularidad en los años 90, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de él desde entonces.

El término "alternativo" se acuñó para describir una nueva y distinta forma de hacer "rock", estilo que comúnmente está asociado a ser muy masivo y de alta popularidad al igual que el pop; mientras que este nuevo género no ponía el énfasis en el éxito o las ventas, sino que casi al contrario, con un sonido menos melódico y oscuro que se movía entre pequeños bares, pubs o clubes del circuito underground (es decir, que no se ajustaban a la música mainstream de la época. ); también, no se valían de la radio para popularizarse, sino que más bien del "boca a boca"; otra característica común de estos artistas o grupos era que grababan sus álbumes en discográficas independientes. Entre los diversos géneros que han surgido en la escena independiente, cabe destacar el shoegazing, el noise rock, el grunge, el britpop o el indie rock, entre muchos otros. Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los géneros que surgieron a partir de él.

Aunque la denominación hace referencia al rock, algunos de los subgéneros que engloba también reciben la influencia de otros estilos como elfolk, o el jazz entre otros. En ocasiones el término se ha empleado equivocadamente a partir de los 90 como una expresión comodín para denominar, paradójicamente, al rock en general.

Durante los 80, el éxito comercial de algunos grupos de rock alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales como RadioheadThe Smashing PumpkinsSonic YouthR.E.M. o The Cure, supuso que no se diera tanta importancia a grabar para una discográfica independiente o tener éxito únicamente en circuitos underground, como a ser una alternativa a la música comercial.

En los 90, además de la maduración y la profundización del género, algunos subgéneros alcanzaron el esquivo éxito popular, de la mano de sonidos más comerciales, como el grunge en Estados Unidos y el britpop en el Reino Unido.

Entre los álbumes de rock alternativo más alabados por la crítica se encuentran OK Computer (que también es considerado uno de los mejores álbumes de la historia de la música) y The Bends de RadioheadGrace de Jeff BuckleyDaydream Nation de Sonic YouthLoveless de My Bloody Valentine y Siamese Dream de The Smashing Pumpkins

n términos de sonido, tiene grandes similitudes con el post-punk y sus subgéneros , compartiendo con ellos un sonido menos armónico, menos melódico, oscuro, depresivo, desgarrador, carente de todo sonido alegre o festivo. Como ya se ha dicho, utiliza música compuesta por elementos y sonidos musicales no tradicionales, y a veces hasta pasa por alto elementos de la estructura musical como armonía y ritmo. La composición y la creación musical suele concentrarse en el sonido general de la obra mas que en el lucimiento de un sólo instrumento o músico, al igual que en el rock experimental y el rock progresivo; Los vocalistas suelen cantar con una voz y un tono carente de todo sentimiento; Generalmente, el ritmo de las canciones es lento y, con mucha frecuencia, sobrepasan los cuatro minutos de duración mínima y no es frecuente el uso de solos de guitarra. También esta fuerte relación se aprecia en la composición lírica, donde muchas veces los versos no riman unos con otros. La evolución en relación al post-punk, se nota a partir de nuevos sonidos y formas de tocar la guitarra (muchas veces se ocupan guitarras con sonido distorsionado), pudiendo también incluir la guitarra acústica por ejemplo, pero siempre manteniendo la "oscuridad". También, en el caso de algunas bandas y artistas, el rock alternativo toma influencias del hard rock en la agresividad y solos de guitarra de las canciones, aunque la diferencia radica en que estos solos suelen ser mucho más ruidosos y anti-melódicos (ejemplo: Radiohead, "My Iron Lung"; The Smashing Pumpkins, "Soma"; Nirvana, "Smells Like Teen Spirit").

El término rock alternativo

La música conocida actualmente como rock alternativo fue denominada bajo otras etiquetas antes de que el adjetivo «alternativo» fuera de uso común. En el Reino Unido se utilizó la expresión «college rock» para definir la música que se programaba en las emisoras de radio universitarias y los gustos de los estudiantes que las escuchaban. En Estados Unidos el término más empleado fue «indie», denominación que nació alrededor de 1985 para agrupar a varios subgéneros y que sigue vigente en la actualidad. «Indie rock» fue la expresión equivalente en EE. UU. hasta el auge comercial que vivió el género en los primeros 90, debido a que la mayoría de estos grupos grababan en compañías independientes. Hacia el año 1990 se popularizó el término «rock alternativo»,unque la expresión comenzó a utilizarse a mediados de los 80.

El rock alternativo se ha definido desde sus inicios por su rechazo al mercantilismo de la cultura establecida. Los grupos alternativos de los 80 actuaban en pequeños clubes, grababan en discográficas independientes y eran conocidos por sus seguidores a través del boca a boca.El rock alternativo no es un estilo musical como tal, sino una denominación muy amplia que abarca desde las guitarras distorsionadas y las letras depresivas del grunge, hasta la inocencia desaliñada del twee pop, pasando por el pop revivalista del britpop, las melodías etéreas del dream pop o la experimentación del post rock.



Radiohead https://es.wikipedia.org/wiki/Radiohead              




SuedeColdplay 

ROCK SINFÓNICO

El rock sinfónico es un estilo musical surgido, dentro del llamado rock progresivo, a partir de mediados de los sesenta, que pretendió explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa de elementos de la música docta (usualmente llamada música "clásica"), lapsicodelia y el hard rock.

El "rock sinfónico" toma su nombre de la sonoridad de las sinfonías clásicas, que a partir de entonces se agrega a la paleta de colores del rock/pop. La sonoridad sinfónica se recrea mediante el uso de orquestas completas, secciones de cuerda o instrumentos electrónicos que las imitan, en un principio sintetizadores de cuerdas, como el mellotron. Los primeros experimentos de este tipo se encuentran en canciones como Yesterday o Eleanor Rigby de The Beatles.

Las primeras grandes obras del género son el Concierto para Grupo y Orquesta editado en enero de 1970 por Deep Purple, y Atom Heart Mother lanzado en octubre de 1970 por Pink Floyd.



( En música, un álbum conceptual es un álbum unificado por un tema común, que puede ser instrumental, narrativo, en la composición o en las letras. Los álbumes conceptuales son planificados, concebidos con todas sus canciones contribuyendo a un único tema en general o a una historia, siendo esta historia o plan el concepto. Esta es la diferencia con un álbum normal de una banda, compuesto por varias canciones sin conexión entre sí, escritas por la banda/artista o siendo versiones de otros artistas/bandas. A veces se considera como un álbum conceptual a un disco con un clima o "humor" en general, haciendo que una definición precisa del término se haga muy problemática.)

Pink Floyd                Pink Floyd-Another Brick In The Wall




 

POP

La expresión música pop (del inglés pop music, contracción de popular music) hace referencia a una combinación de distintos géneros musicales altamente populares dentro de una sociedad

El Diccionario de la lengua española define «pop» como «un cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos musicales negros y de la música folclórica británica», siendo el término procedente del inglés pop, un acortamiento de popular (popular).

Los autores y estudiosos de música David Hatch y Stephen Millward definieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el cual es distinguible de lo popular, jazz y música folk».

Mientras que la música pop, como género, suele ser vista como un estilo existente y en desarrollo por separado.

El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular».

A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll.

A raíz del auge de los artistas británicos de la conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rock"  HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rock"rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible.10

Aunque la música pop a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, mientras que la música pop como género es generalmente contemplado con una existencia y desarrollo separado

El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo entre dos y medio y tres minutos y medio de duración, en general, marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo culturalmente establecido y una estructura tradicional y simple. Las variantes más comunes son el verso-coro y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las melodías pegadizas y un coro que contrasta melódicarítmica y armónicamente con el verso. El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico limitado. Las letras de las canciones pop modernas se centran típicamente en temas simples, a menudo el amor y las relaciones románticas, aunque hay también notables excepciones.









Beatles  _ Penny Lane






 

COUNTRY

Country (también llamado Country & Western) es un género musical surgido en los años 20 en las regiones rurales del Sur de Estados Unidos y las Marítimas de Canadá y Australia. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmenteIrlanda, con otras formas musicales ya arraigadas en Norteamérica, como el blues y la música espiritual y religiosa como el gospel. El términocountry comenzó a ser utilizado en los años 50 en detrimento del término Hillbilly, que era la forma en que se lo conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso en los 70.

El country tradicional, se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo (fiddle) y el contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón (de influencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro, o la steel guitar




Johnny Cash                        Johnny Cash - I Walk The Line



Kenny Rogers                     Kenny Rogers - Coward Of The County


Taylor Swift             Taylor Swift - Mean

 

MÚSICA POPULAR

Es la que se transmite oralmente, de unas personas a otras de la comunidad.

     muiñeira de Pontesampaio   POR Diego Maceiras y Daniel Belló   https://www.youtube.com/watch?v=GntHgnW5Xro            

                                                                           

Jota de Alén

alalá das mariñas( santalices)    Faustino santalices. Alalá           

rumba: Palmira    Rumba de Palmira
 

                                                                                                                                                                                                       

 

 Sobre el término "folk"

El término inglés del folk ganó su uso en 1245 (durante el período romántico) para referir a campesinos o a la gente que no sabe leer y escribir, se relaciona con la palabra alemana Volk (gente o nación del significado). El término se utiliza para acentuar que la música Folk emerge espontáneamente de las comunidades de gente normal. "mientras que la complejidad de la estratificación social y de la interacción clara se aumentó, los varios criterios de condicionamiento, tales como ' continuidad ', ' tradición ', ' transmisión oral ', ' anonimato ' y orígenes no comerciales, llegaron a ser más importantes que las categorías sociales simples ellos mismos." Charles Seeger (el año (1980) describe tres criterios que definen contemporáneos de la música Folk.

        1. Un esquema que abarca cuatro tipos musicales: ' primitivo ' o ' tribal '; ' élite ' o ' arte '; ' gente '; y ' popular '. ... la música Folk se asocia generalmente a una clase más baja en las sociedades que son cultural y social estratificadas, es decir, que han desarrollado una élite, y posiblemente también una cultura popular, musical. Cecil Sharp (1907), A.L. Lloyd (1972).

       2. Procesos culturales más bien que tipos musicales... continuidad y transmisión oral del extracto... consideradas como caracterizar un lado de una dicotomía cultural, encuentran al otro lado de la cual no solamente en las capas más bajas de feudal, a capitalista y algunas sociedades orientales pero también en sociedades ' primitivas ' y en partes de las ' culturas populares. Redfield (1947) y Dundes (1965).

       3. Menos prominente, "un rechazamiento de límites rígidos, prefiriendo un concepto, simplemente de la práctica que varía dentro de un campo sobre la música".


Aparte de la
música instrumental que forma una parte de música folk, especialmente las tradiciones de la música de danza, mucha música tradicional son música vocal, puesto que el instrumento que hace tal música es generalmente práctico. Como tal, la mayoría de la música tradicional tiene líricas significativas.

El verso narrativo en la música Folk se muestra enormemente en muchas culturas. Esto abarca las formas tales como la poesía épica tradicional, mucha de la cual fue significada originalmente para el funcionamiento oral, acompañado a veces por los instrumentos. Muchos poemas épicos de varias culturas fueron ensamblados de pedazos más cortos del verso narrativo tradicional, que explica su estructura episódica. Otras formas de verso narrativo tradicional relacionan los resultados de batallas y de otros desastres del tragedia o naturales. A veces, según lo en la canción triunfante de Deborah encontrada en el libro bíblico Book of Judges, estas canciones celebran la victoria. Se lamenta para las batallas y las guerras perdidas, y las vidas perdidas en ellas, son igualmente prominentes en muchas tradiciones populares; éstos lamentan de la subsistencia viva la causa para las cuales la batalla fue luchada. Algunas narrativas populares de la canción recuerdan acontecimientos supernaturales o muertes misteriosas.

Historia da música en Galicia Historia




                  Milladoiro Polca dos Campaneiros(240p_H.264-AAC).flv





Berrogueto,Berrogüetto 







( se queres saber máis busca estes músicos no YouTube) 

TANGO



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Patrimonio cultural inmaterial de la Unesco

Tango au01.JPG

Pareja bailando tango.

 



País

Flag of Argentina.svg Argentina

Flag of Uruguay.svg Uruguay



Tipo

Cultural inmaterial

Región

América Latina y el Caribe



Año de inscripción

2009 (IV sesión)



Tango





Orígenes musicales

Tango flamenco, Habanera, candombe, milonga, zarzuela, polka, vals, payada.



Orígenes culturales

Zona del Río de la Plata1​



Instrumentos comunes

Bandoneón, guitarra, piano, violín y contrabajo



Popularidad

Alta en Europa, América y Japón



Subgéneros



Tango-pasional



Fusiones



Tango-canción, tango-milonga, tango electrónico
 




Festival mundial de Tango en Buenos Aires, Argentina.

El tango es un género musical y una danza, característica de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay). El escritor Ernesto Sabato destacó la condición de "híbrido" del tango.2​ El poeta Eduardo Giorlandini destaca sus raíces afrorioplatenses, con la cultura gauchesca, hispana, africana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran ola inmigratoria llegada principalmente de Europa.3​ La investigadora Beatriz Crisorio dice que "el tango es deudor de aportes multiétnicos, gracias a nuestro pasado colonial (indígena, africano y criollo) y al sucesivo aporte inmigratorio".4​Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros musicales cuya presencia se ha vuelto familiar en todo el mundo, así como uno de los más populares.



Distintas investigaciones señalan seis estilos musicales principales que dejaron su impronta en el tango: el tango andaluz, la habanera cubana, el candombe, la milonga, la mazurca y la polka europea.​



El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí. Refiriéndose a esa relación, Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».



Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar central.



Muchas de las letras de sus canciones están escritas en un argot local rioplatense llamado lunfardo y suelen expresar las emociones y tristezas que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, especialmente «en las cosas del amor».10​



El 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad



Carlos Gardel (1890-1935).

Ástor Piazzolla (1921-1992).

Julio Sosa (1926-1964).



 

FLAMENCO



Para otros usos de este término, véase Flamenco (desambiguación).





Flamenco



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Patrimonio cultural inmaterial de la Unesco

Belen maya.jpg

La bailaora Belén Maya.

 



País

Flag of Spain.svg España



Tipo

Cultural inmaterial

Región

Europa y América del Norte



Año de inscripción

2010 (V sesión)









Flamenco





Orígenes musicales

Música y danza de Andalucía transformada por la idiosincrasia del pueblo andaluz, y de las distintas culturas que convivían en esta región.



Orígenes culturales

Flag of Andalucía.svg Andalucía



Instrumentos comunes



Voz, palmas, guitarra, castañuelas

otros



Popularidad

Se trata del género popular español con más repercusión internacional



Fecha de origen

Finales del siglo XVIII - principios del siglo XIX



Derivados

Nuevo flamenco, Flamenco Chill, Flamenco House

El flamenco es un género musical español que se da sobre todo en Andalucía y zonas de Extremadura y la Región de Murcia.1​2​ Sus principales facetas son el cante, el toque y el baile, contando también con sus propias tradiciones y normas. Tal y como lo conocemos hoy en día data del siglo XVIII, y existe controversia sobre su origen, ya que aunque existen distintas opiniones y vertientes, ninguna de ellas ha podido ser comprobada de forma histórica. Aunque el diccionario de la RAE lo asocia especialmente a la etnia gitana,3​ es más que perceptible la fusión de las distintas culturas que coincidieron en la Andalucía de la época. De todas las hipótesis sobre su origen, la tesis más extendida es la que expone el origen morisco, solo que el mestizaje cultural que por entonces se dio en Andalucía: oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos y judíos; propició su creación. De hecho, ya existía en la región de Andalucía su germen mucho antes de que los gitanos llegaran, teniendo también en cuenta que había gitanos en otras regiones de España y de Europa, pero el flamenco fue únicamente cultivado por los que se encontraban en Andalucía.4​



En noviembre de 2010 la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad5​ a iniciativa de las comunidades autónomas de Andalucía, Extremadura y Murcia. Además es Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico Andaluz y está inscrito en el Inventario General de Bienes Muebles de la Región de Murcia establecido por la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales.



Su popularidad en Hispanoamérica ha sido tal que en Costa Rica, El Salvador, Guatemala, México, Panamá, Venezuela y Puerto Rico han surgido diversas agrupaciones y academias.6​7​8​9​ Su gran difusión y estudio en Chile ha permitido incluso la aparición de conocidas figuras nacionales como los guitarristas Carlos Ledermann10​ y Carlos Pacheco Torres, el cual imparte una cátedra de guitarra flamenca en el Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco de Córdoba.11​ En Japón es tan popular que se dice que en ese país hay más academias de flamenco que en España.12







José Mercé
 CuChus  Pimentel ( guitarrista galego) https://soundcloud.com/marta-quintana-lus
 
 

BOSSANOVA

La bossa nova es un género musical de la música popular brasileña derivado del samba y con una fuerte influencia del jazz.



En los inicios, el término se usó para designar una nueva manera de cantar y tocar el samba y vino a ser una «reformulación estética» dentro del moderno samba urbano carioca. Basándose en una instrumentación simple y un elegante manejo de las disonancias, desarrolló un lenguaje propio con un íntimo lirismo.1​



Surgió a finales de los años cincuenta gracias a músicos como João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y otros jóvenes cantores y compositores de clase media de la zona sur de Río de Janeiro. Con el pasar de los años, la bossa nova se convirtió en uno de los movimientos más influyentes de la historia de la música popular brasileña, llegando a alcanzar proyección mundial. Algunos ejemplos fundamentales de bossa lo constituyen canciones como «Garota de Ipanema» (La chica de Ipanema) y «Chega de saudade», compuestas ambas por Vinícius de Moraes y Antônio Carlos Jobim.









Gilberto Gil (1942-)

Caetano Veloso (1942-)

Toquinho (1946-)

Elis Regina (1945-1982)

 

Música disco

Orígenes musicales

Funk ·

 soul ·

 R&B ·

 psicodélica ·

 latina (especialmente salsa) ·

 pop ·

 pop rock ·

 soca (también música afro-cubana) ·

 swing ·

 big band ·

 philadelphia sound

 



Orígenes culturales

Inicios de los 70 o finales de los 60, Estados Unidos



Instrumentos comunes

batería, caja de ritmos, sintetizadores de violin, guitarra eléctrica, piano, voz, percusión y bajo



Popularidad

Muy alta, en todo el mundo en general, especialmente en estados unidos, europa y latinoamérica durante los 70, uno de los géneros más populares de todos los tiempos



Derivados

Synth pop, hip hop, EDM, house, new wave, freestyle, funky house



Subgéneros
Space disco ·  post-disco ·  italo disco ·  euro disco ·  disco polo ·  cosmic disco ·  nu-disco

 

La Música disco o simplemente Disco es un género de música de baile derivada del rhythm and blues que mezcló elementos de géneros anteriores, como el soul y el funk, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de fiesta (discotecas) en la segunda mitad de los años 1970.














SOUL

El soul es un género musical originario de Estados Unidos que combina elementos del góspel, del doo-wop y del rhythm and blues.1​ De acuerdo con el Rock and Roll Hall of Fame, el Soul es un tipo de «música que surgió de la experiencia de la comunidad afrodescendiente en América a través de la transmutación del góspel y del rhythm & blues en una forma de declaración funky y secular».2​ Los ritmos pegadizos, acentuados por palmas y movimientos corporales espontáneos, son un importante elemento del soul. Otras características son la llamada y respuesta entre el solista y el coro, y un sonido vocal particularmente tenso. El género utiliza también, ocasionalmente, añadidos improvisados, giros y sonidos auxiliares.









 

MÚSICA MINIMALISTA

La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental que empezó a ser creada en los años sesenta basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento empezó a comienzos de los 1960s como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oír en los lofts de Nueva York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, y ―con menos visibilidad aunque original― La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Yann Tiersen, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens, John Tavener y Ludovico Einaudi.








Jean Michel Jarre


 

NEW AGE

Para otros usos de este término, véase New Age.





New Age

Orígenes musicales

Música electrónica, clásica, folk, rock progresivo, world music, música minimalista y rock instrumental



Orígenes culturales

Inicios de la década de 1960 en los Estados Unidos de América y Europa.



Instrumentos comunes

Sintetizador, Arpa, Piano, Trombón, Violín, Cello, Flauta, Tornamesa, Guitarra (Acústica y eléctrica), Batería, Órgano.



Subgéneros



Gótico etéreo, Ritmo céltico, Cantos en coro, Post-rock, Ópera electrónica, Trans-Global, Neoflamenco, Ritmos étnicos

  Vangelis

 Enya

El New Age es un género musical, creado por diferentes estilos cuyo objetivo es crear inspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por los que practican yoga, masaje, meditación,1​ y lectura como método para controlar el estrés2​ o para crear una atmósfera pacífica en su casa o en otros entornos, y suele asociarse al ecologismo y a la espiritualidad New Age.1​



Las armonías en la música New Age suelen ser generalmente modales, consonantes, o incluir un bajo en forma de drone. Las melodías suelen ser repetitivas, para crear una sensación hipnótica, y a veces se utilizan sonidos de la naturaleza como introducción a un tema o a una pieza. Son frecuentes las piezas de hasta treinta minutos.



La música New Age puede ser tanto electrónica, normalmente basándose en pads de sintetizador sostenidos o largos trozos de secuenciador, como acústica, utilizando instrumentos como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia gama de instrumentos acústicos no occidentales. En muchos casos se utiliza el sampleo digital de instrumentos de alta calidad en lugar de instrumentos orgánicos. Los arreglos vocales solían ser extraños en la música New Age, pero a medida que fue evolucionando las vocales se hicieron más comunes, especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito o música tibetana. Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las creencias New Age, mientras que otros grupos no consideran que su propia música pertenezca a esta forma de pensamiento, y ello aunque su música se haya catalogado como New Age por los sellos discográficos, las tiendas de discos o los programas de radio.


 

RAP

El rap es una forma musical que incorpora "rima, habla rítmica y jerga", que se interpreta o se canta en una variedad de formas, por lo general sobre un backbeat o acompañamiento musical. Los componentes del rap incluyen "contenido" (lo que se dice), "flow" (ritmo, rima) y "entrega" (cadencia, tono). El rap difiere de la poesía en que el rap generalmente se interpreta sobre una pista instrumental. El rap a menudo se asocia con, y es un ingrediente principal de la música hip-hop, pero los orígenes del fenómeno son anteriores a la cultura hip-hop. El precursor más temprano del rap moderno es la tradición griot del oeste de África, en la cual "historiadores orales", o "cantantes de alabanza", diseminarían tradiciones orales y genealogías, o usarían sus formidables técnicas retóricas para cotillear o "elogiar o criticar individuos". Las tradiciones de Griot se conectan con el rap a lo largo de un linaje de reverencia verbal negra que se remonta a las prácticas del antiguo Egipto, a través de James Brown interactuando con la multitud y la banda entre canciones. Por lo tanto, las letras y la música de rap forman parte del "continuum retórico negro" y pretenden reutilizar elementos de tradiciones pasadas al tiempo que se expanden a través de "el uso creativo del lenguaje y los estilos y estrategias retóricas". La persona a la que se considera como creador del estilo de "pronunciar rimas sobre música extensa", que se conocería como rap, fue Anthony "DJ Hollywood" Holloway de Harlem, Nueva York.



El rap se suele pronunciar sobre un beat, normalmente proporcionado por un DJ, un turntablista, un Beatboxer o una A capella sin acompañamiento. Estilísticamente, el rap ocupa un área gris entre el habla, la prosa, la poesía y el canto. La palabra, que es anterior a la forma musical, originalmente significaba "golpear ligeramente", y ahora se usa para describir el habla rápida o la réplica. La palabra había sido utilizada en inglés británico desde el siglo XVI. Fue parte del dialecto afroamericano del inglés en la década de 1960 que significa "conversar", y muy pronto después de eso en su uso actual como un término que denota el estilo musical. Hoy en día, el término rap está tan estrechamente asociado con la música hip-hop que muchos escritores usan los términos indistintamente








 

HIP-HOP

El Pionero del Hip Hop Afrika Bambaataa mezclando electro con Rappings y algunos Beats. Bambaataa, el DJ, es por supuesto el Rapero en esta canción; este es el primer Rapping que se hace acompañado de una tornamesa.



El hip-hop1​ es un movimiento compuesto por una mezcla de formas artísticas, originadas dentro de una subcultura marginal en el Sur del Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, entre jóvenes afroamericanos e hispanos durante la década de 1970.2​3​4​5​Se caracteriza por cuatro elementos, los cuales representan las diferentes manifestaciones de la cultura: rap (oral: recitar o cantar), turntablism o "DJing" (auditiva o musical), breaking (físico: baile) y graffiti (visual: pintura). A pesar de sus variados y contrastados métodos de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la violencia que subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la subcultura. Para este grupo de jóvenes, ofrece rebelarse en contra de las desigualdades y penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York, así que el "hip-hop" funcionó inicialmente, como una forma de auto-expresión que propondría reflexionar, proclamar una alternativa, tratar de desafiar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de dicho entorno, favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras continúa la historia contemporánea, a nivel mundial, hay un florecimiento de diversos estilos en cada uno de los cuatro elementos, adaptándose a los nuevos contextos en los que se ha inmerso el hip-hop, sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales proporcionan estabilidad y coherencia a la cultura.



El origen de la cultura se deriva de las fiestas callejeras por los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplificadores para sus instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect Avenue. La misma idea de tomar energía de la calle misma colgándose a las farolas las retomó DJ Kool Herc después de sus fiestas en la sala de recreo del condominio en el 1520 de Sedgwick Avenue, en donde hizo mezcla de los intermedios percusivos breaks de los temas soul y funk para impresionar a la multitud y especialmente de algunos bailarines que buscaban esos 'breaks' para lucirse en sus habilidades gimnastas b-boys, mientras algún MC animaba las fiestas y rimaba al ritmo, es decir rapeaban, de los diferentes beats, al tiempo que varios bailarines competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa que Kool Herc sea reconocido como el "padre" del hip hop. El DJ Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, diseño los pilares de la cultura hip hop, a la que él acuñó los términos: MCing o "Emceein", DJing o "Deejayin", b-boying y graffiti o aerosol writin.6​7​8​








 

MÚSICA ELECTRÓNICA

La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónicos puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.



La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1990, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.



La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador. La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile. En 1897, La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, aunque esta no sea absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no reproducirlos de nuevo.1 En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Otro invento significativo que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica fue la válvula audión, del tipo triodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica y otras variadas aplicaciones










 

REAGGE

El reggae es un género musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el rocksteady.



El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del reggae es más lento que el del ska3​ y el rocksteady[cita requerida]. El reggae suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, y utiliza la guitarra para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el acorde desde el segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer beat", tanto por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que diferencia al reggae del rocksteady.



The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a través de las tres etapas la primera música popular jamaiquina: ska, rocksteady y reggae. Otros pioneros del reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y Jackie Mittoo.




 

PUNK

El punk, también llamado punk rock, es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Este género se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y contracultural. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías agresivas de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados y ruidosos cargados de mucha distorsión, pocos arreglos e instrumentos y, por lo general, de compases y tempos rápidos.



Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado y muy distorsionado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock and roll. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, mientras las letras se caracterizan por tratar temas como los problemas políticos y sociales (llevando con esto un mensaje de conciencia que se extiende, tratando de denunciar por medio de la música este tipo de problemas e incluso se llegan a tratar temas como el no a las drogas, amor, pacifismo, etc.). Aunque desde finales de los 70 e incluso antes (a excepción de la lírica) , estos aspectos fueron cambiando gracias a que las bandas que se formaron en ese tiempo (por general bandas del estilo hardcore y otras bandas más tradicionalistas) fueron agregando cambios de acorde muy rápidos en la guitarra, arreglos (para mayor complejidad) y solos de guitarra (heredados directamente del rock and roll y rockabilly), en el bajo se introdujeron los arreglos con octava, y la batería aceleraba más el ritmo y el tempo, las voces eran muchas fuertes.



El punk rock explotó en la corriente musical a finales de los años 70 con bandas británicas como Sex Pistols; The Clash y The Damned, y bandas estadounidenses como Ramones, The Dead Boys y Blondie. Más adelante en la década de los 80, dentro de la escena independiente surgirían dos movimientos dentro del punk rock que se caracterizarían por seguir las ideas de la ética Hazlo tú mismo, y con una fórmula musical mucho más agresiva, rápida, y veloz; en Estados Unidos el hardcore (con bandas como Black Flag, Minor Threat, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, quienes ayudaron e influenciaron a músicos que más tarde conformarían la escena hardcore melódica, skate punk, nardcore e incluso straight edge/youth crew) y en el Reino Unido el UK '82 (representado por The Exploited, GBH, Chaos UK, Discharge, Varukers, estos últimos dos dieron continuación e influencia a formas más extremas del punk como d-beat, crust punk y grindcore). Muchos músicos influenciados por el punk rock (pero con distintos intereses musicales) más tarde formarían bandas de post-punk, heavy metal, grunge, emo, noise rock, ska, new wave, rock alternativo y gótico. En los 90, aparece el grunge con Nirvana; más tarde bandas californianas de skate punk y hardcore melódico seguirían vendiendo millones de discos como Offspring, Rancid y NOFX. A mediados de los 90 el mercado musical promovería a bandas de pop punk como Green Day o Blink-182; asimismo, bandas de punk hardcore y street punk siguieron formándose como The Casualties, Unseen, Blanks 77, Agnostic Front, Violent Society, Restarts, First Step, Battery, Good Clean Fun, entre muchas más bandas.




The Kinks


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...e moitos máis!!!
 

agardo vos guste a escolma dos enlaces

 A Meiga Tintureira











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