Festival mundial de Tango en Buenos Aires, Argentina.
El tango es un género musical y una danza, característica de
la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las
ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay). El escritor
Ernesto Sabato destacó la condición de "híbrido" del tango.2 El
poeta Eduardo Giorlandini destaca sus raíces afrorioplatenses, con la cultura
gauchesca, hispana, africana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran
ola inmigratoria llegada principalmente de Europa.3 La investigadora Beatriz
Crisorio dice que "el tango es deudor de aportes multiétnicos, gracias a
nuestro pasado colonial (indígena, africano y criollo) y al sucesivo aporte
inmigratorio".4Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros
musicales cuya presencia se ha vuelto familiar en todo el mundo, así como uno
de los más populares.
Distintas investigaciones señalan seis estilos musicales
principales que dejaron su impronta en el tango: el tango andaluz, la habanera
cubana, el candombe, la milonga, la mazurca y la polka europea.
El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza
sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada
persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí.
Refiriéndose a esa relación, Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos
poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».
Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o
ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede
llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con
una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos
violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar
central.
Muchas de las letras de sus canciones están escritas en un
argot local rioplatense llamado lunfardo y suelen expresar las emociones y
tristezas que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, especialmente «en
las cosas del amor».10
El 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de
Buenos Aires y Montevideo, la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial
de la Humanidad
FLAMENCO
Para otros usos de este término, véase Flamenco
(desambiguación).
Flamenco
UNESCO logo.svg UNESCO-ICH-blue.svg
Patrimonio cultural inmaterial de la Unesco
Belen maya.jpg
La bailaora Belén Maya.
País
Flag of Spain.svg España
Tipo
Cultural inmaterial
Región
Europa y América del Norte
Año de inscripción
2010 (V sesión)
Flamenco
Orígenes musicales
Música y danza de Andalucía transformada por la idiosincrasia
del pueblo andaluz, y de las distintas culturas que convivían en esta región.
Orígenes culturales
Flag of Andalucía.svg Andalucía
Instrumentos comunes
Voz, palmas, guitarra, castañuelas
otros
Popularidad
Se trata del género popular español con más repercusión
internacional
Fecha de origen
Finales del siglo XVIII - principios del siglo XIX
Derivados
Nuevo flamenco, Flamenco Chill, Flamenco House
El flamenco es un género musical español que se da sobre todo
en Andalucía y zonas de Extremadura y la Región de Murcia.12 Sus principales
facetas son el cante, el toque y el baile, contando también con sus propias
tradiciones y normas. Tal y como lo conocemos hoy en día data del siglo XVIII,
y existe controversia sobre su origen, ya que aunque existen distintas
opiniones y vertientes, ninguna de ellas ha podido ser comprobada de forma
histórica. Aunque el diccionario de la RAE lo asocia especialmente a la etnia
gitana,3 es más que perceptible la fusión de las distintas culturas que
coincidieron en la Andalucía de la época. De todas las hipótesis sobre su
origen, la tesis más extendida es la que expone el origen morisco, solo que el
mestizaje cultural que por entonces se dio en Andalucía: oriundos, musulmanes,
gitanos, castellanos y judíos; propició su creación. De hecho, ya existía en la
región de Andalucía su germen mucho antes de que los gitanos llegaran, teniendo
también en cuenta que había gitanos en otras regiones de España y de Europa,
pero el flamenco fue únicamente cultivado por los que se encontraban en
Andalucía.4
En noviembre de 2010 la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural
Inmaterial de la Humanidad5 a iniciativa de las comunidades autónomas de Andalucía,
Extremadura y Murcia. Además es Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico
Andaluz y está inscrito en el Inventario General de Bienes Muebles de la Región
de Murcia establecido por la Dirección General de Bellas Artes y Bienes
Culturales.
Su popularidad en Hispanoamérica ha sido tal que en Costa
Rica, El Salvador, Guatemala, México, Panamá, Venezuela y Puerto Rico han
surgido diversas agrupaciones y academias.6789 Su gran difusión y estudio
en Chile ha permitido incluso la aparición de conocidas figuras nacionales como
los guitarristas Carlos Ledermann10 y Carlos Pacheco Torres, el cual imparte
una cátedra de guitarra flamenca en el Conservatorio Superior de Música Rafael
Orozco de Córdoba.11 En Japón es tan popular que se dice que en ese país hay
más academias de flamenco que en España.12
BOSSANOVA
La bossa nova es un género musical de la música popular
brasileña derivado del samba y con una fuerte influencia del jazz.
En los inicios, el término se usó para designar una nueva
manera de cantar y tocar el samba y vino a ser una «reformulación estética»
dentro del moderno samba urbano carioca. Basándose en una instrumentación
simple y un elegante manejo de las disonancias, desarrolló un lenguaje propio
con un íntimo lirismo.1
Surgió a finales de los años cincuenta gracias a músicos como
João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y otros jóvenes cantores y
compositores de clase media de la zona sur de Río de Janeiro. Con el pasar de
los años, la bossa nova se convirtió en uno de los movimientos más influyentes
de la historia de la música popular brasileña, llegando a alcanzar proyección
mundial. Algunos ejemplos fundamentales de bossa lo constituyen canciones como
«Garota de Ipanema» (La chica de Ipanema) y «Chega de saudade», compuestas
ambas por Vinícius de Moraes y Antônio Carlos Jobim.
Música disco
Orígenes musicales
Funk ·
soul ·
R&B ·
psicodélica ·
latina (especialmente
salsa) ·
pop ·
pop rock ·
soca (también música
afro-cubana) ·
swing ·
big band ·
philadelphia sound
Orígenes culturales
Inicios de los 70 o finales de los 60, Estados Unidos
Instrumentos comunes
batería, caja de ritmos, sintetizadores de violin, guitarra
eléctrica, piano, voz, percusión y bajo
Popularidad
Muy alta, en todo el mundo en general, especialmente en
estados unidos, europa y latinoamérica durante los 70, uno de los géneros más
populares de todos los tiempos
Derivados
Synth pop, hip hop, EDM, house, new wave, freestyle, funky
house
Subgéneros
Space disco · post-disco · italo disco · euro disco · disco polo · cosmic disco · nu-disco
La Música disco o simplemente Disco es un género de música de
baile derivada del rhythm and blues que mezcló elementos de géneros anteriores,
como el soul y el funk, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó
en las salas de fiesta (discotecas) en la segunda mitad de los años 1970.
SOUL
El soul es un género musical originario de Estados Unidos que
combina elementos del góspel, del doo-wop y del rhythm and blues.1 De acuerdo
con el Rock and Roll Hall of Fame, el Soul es un tipo de «música que surgió de
la experiencia de la comunidad afrodescendiente en América a través de la
transmutación del góspel y del rhythm & blues en una forma de declaración
funky y secular».2 Los ritmos pegadizos, acentuados por palmas y movimientos
corporales espontáneos, son un importante elemento del soul. Otras
características son la llamada y respuesta entre el solista y el coro, y un
sonido vocal particularmente tenso. El género utiliza también, ocasionalmente,
añadidos improvisados, giros y sonidos auxiliares.
MÚSICA MINIMALISTA
La música minimalista es un género originario de Estados
Unidos que se cataloga como experimental que empezó a ser creada en los años
sesenta basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o
en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases
musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento
empezó a comienzos de los 1960s como un movimiento underground en los espacios
alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oír en los lofts de Nueva
York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música
experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de
compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry
Riley, Steve Reich, Philip Glass, y ―con menos visibilidad aunque original― La
Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel
Goeyvaerts, Yann Tiersen, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve
Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens, John Tavener y Ludovico
Einaudi.
Jean
Michel Jarre
NEW
AGE
Para
otros usos de este término, véase New Age.
New
Age
Orígenes
musicales
Música
electrónica, clásica, folk, rock progresivo, world music, música minimalista y
rock instrumental
Orígenes
culturales
Inicios
de la década de 1960 en los Estados Unidos de América y Europa.
Instrumentos
comunes
Sintetizador,
Arpa, Piano, Trombón, Violín, Cello, Flauta, Tornamesa, Guitarra (Acústica y
eléctrica), Batería, Órgano.
Subgéneros
Gótico
etéreo, Ritmo céltico, Cantos en coro, Post-rock, Ópera electrónica,
Trans-Global, Neoflamenco, Ritmos étnicos
Vangelis
Enya
El
New Age es un género musical, creado por diferentes estilos cuyo objetivo es
crear inspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por
los que practican yoga, masaje, meditación,1 y lectura como método para
controlar el estrés2 o para crear una atmósfera pacífica en su casa o en otros
entornos, y suele asociarse al ecologismo y a la espiritualidad New Age.1
Las
armonías en la música New Age suelen ser generalmente modales, consonantes, o
incluir un bajo en forma de drone. Las melodías suelen ser repetitivas, para
crear una sensación hipnótica, y a veces se utilizan sonidos de la naturaleza
como introducción a un tema o a una pieza. Son frecuentes las piezas de hasta
treinta minutos.
La
música New Age puede ser tanto electrónica, normalmente basándose en pads de
sintetizador sostenidos o largos trozos de secuenciador, como acústica,
utilizando instrumentos como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia
gama de instrumentos acústicos no occidentales. En muchos casos se utiliza el
sampleo digital de instrumentos de alta calidad en lugar de instrumentos
orgánicos. Los arreglos vocales solían ser extraños en la música New Age, pero
a medida que fue evolucionando las vocales se hicieron más comunes,
especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito o música
tibetana. Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las creencias New Age,
mientras que otros grupos no consideran que su propia música pertenezca a esta
forma de pensamiento, y ello aunque su música se haya catalogado como New Age
por los sellos discográficos, las tiendas de discos o los programas de radio.
RAP
El rap es una forma musical que incorpora "rima, habla
rítmica y jerga", que se interpreta o se canta en una variedad de formas,
por lo general sobre un backbeat o acompañamiento musical. Los componentes del
rap incluyen "contenido" (lo que se dice), "flow" (ritmo,
rima) y "entrega" (cadencia, tono). El rap difiere de la poesía en
que el rap generalmente se interpreta sobre una pista instrumental. El rap a menudo
se asocia con, y es un ingrediente principal de la música hip-hop, pero los
orígenes del fenómeno son anteriores a la cultura hip-hop. El precursor más
temprano del rap moderno es la tradición griot del oeste de África, en la cual
"historiadores orales", o "cantantes de alabanza", diseminarían
tradiciones orales y genealogías, o usarían sus formidables técnicas retóricas
para cotillear o "elogiar o criticar individuos". Las tradiciones de
Griot se conectan con el rap a lo largo de un linaje de reverencia verbal negra
que se remonta a las prácticas del antiguo Egipto, a través de James Brown
interactuando con la multitud y la banda entre canciones. Por lo tanto, las
letras y la música de rap forman parte del "continuum retórico negro"
y pretenden reutilizar elementos de tradiciones pasadas al tiempo que se
expanden a través de "el uso creativo del lenguaje y los estilos y
estrategias retóricas". La persona a la que se considera como creador del
estilo de "pronunciar rimas sobre música extensa", que se conocería
como rap, fue Anthony "DJ Hollywood" Holloway de Harlem, Nueva York.
El rap se suele pronunciar sobre un beat, normalmente
proporcionado por un DJ, un turntablista, un Beatboxer o una A capella sin
acompañamiento. Estilísticamente, el rap ocupa un área gris entre el habla, la
prosa, la poesía y el canto. La palabra, que es anterior a la forma musical,
originalmente significaba "golpear ligeramente", y ahora se usa para
describir el habla rápida o la réplica. La palabra había sido utilizada en
inglés británico desde el siglo XVI. Fue parte del dialecto afroamericano del
inglés en la década de 1960 que significa "conversar", y muy pronto
después de eso en su uso actual como un término que denota el estilo musical.
Hoy en día, el término rap está tan estrechamente asociado con la música
hip-hop que muchos escritores usan los términos indistintamente
HIP-HOP
El Pionero del Hip Hop Afrika Bambaataa mezclando electro con
Rappings y algunos Beats. Bambaataa, el DJ, es por supuesto el Rapero en esta
canción; este es el primer Rapping que se hace acompañado de una tornamesa.
El hip-hop1 es un movimiento compuesto por una mezcla de
formas artísticas, originadas dentro de una subcultura marginal en el Sur del
Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, entre jóvenes afroamericanos e
hispanos durante la década de 1970.2345Se caracteriza por cuatro elementos,
los cuales representan las diferentes manifestaciones de la cultura: rap (oral:
recitar o cantar), turntablism o "DJing" (auditiva o musical),
breaking (físico: baile) y graffiti (visual: pintura). A pesar de sus variados
y contrastados métodos de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la
violencia que subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la subcultura.
Para este grupo de jóvenes, ofrece rebelarse en contra de las desigualdades y
penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York,
así que el "hip-hop" funcionó inicialmente, como una forma de
auto-expresión que propondría reflexionar, proclamar una alternativa, tratar de
desafiar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de dicho entorno,
favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras continúa la historia contemporánea,
a nivel mundial, hay un florecimiento de diversos estilos en cada uno de los
cuatro elementos, adaptándose a los nuevos contextos en los que se ha inmerso
el hip-hop, sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales
proporcionan estabilidad y coherencia a la cultura.
El origen de la cultura se deriva de las fiestas callejeras
por los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplificadores para sus
instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect Avenue.
La misma idea de tomar energía de la calle misma colgándose a las farolas las
retomó DJ Kool Herc después de sus fiestas en la sala de recreo del condominio
en el 1520 de Sedgwick Avenue, en donde hizo mezcla de los intermedios
percusivos breaks de los temas soul y funk para impresionar a la multitud y
especialmente de algunos bailarines que buscaban esos 'breaks' para lucirse en
sus habilidades gimnastas b-boys, mientras algún MC animaba las fiestas y
rimaba al ritmo, es decir rapeaban, de los diferentes beats, al tiempo que
varios bailarines competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa
que Kool Herc sea reconocido como el "padre" del hip hop. El DJ
Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, diseño los pilares de la cultura
hip hop, a la que él acuñó los términos: MCing o "Emceein", DJing o
"Deejayin", b-boying y graffiti o aerosol writin.678
MÚSICA ELECTRÓNICA
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea
instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su
producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido
producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido
mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos
ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el
telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos
puramente electrónicos puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el
sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a
una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1990, la
disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles propició que la
música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la
actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y
compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas
populares como la música electrónica de baile.
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea
instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su
producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido
producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido
mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos
ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el
telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos
puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el
sintetizador de sonido y el ordenador. La música electrónica se asoció en su
día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales
del año 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles
propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez
más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad
técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental
hasta formas populares como la música electrónica de baile. En 1897, La
habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música
electrónica, aunque esta no sea absolutamente necesaria para ello. El primer
dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en
1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente,
pero no reproducirlos de nuevo.1 En 1878, Thomas A. Edison patentó el
fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se
siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner
desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Otro invento significativo que
posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica fue la
válvula audión, del tipo triodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la
primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y
amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación
electrónica y otras variadas aplicaciones
REAGGE
El reggae es un género musical que se desarrolló por primera
vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término
se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música
jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical
específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el
rocksteady.
El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de
acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del
reggae es más lento que el del ska3 y el rocksteady[cita requerida]. El reggae
suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, y utiliza la guitarra
para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el acorde desde el
segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer beat", tanto
por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que
diferencia al reggae del rocksteady.
The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y
Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a
través de las tres etapas la primera música popular jamaiquina: ska, rocksteady
y reggae. Otros pioneros del reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y
Jackie Mittoo.
PUNK
El punk, también llamado punk rock, es un género musical
dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Este género se
caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y
contracultural. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a
veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías agresivas de
duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados y
ruidosos cargados de mucha distorsión, pocos arreglos e instrumentos y, por lo
general, de compases y tempos rápidos.
Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la
crudeza del sonido amplificado y muy distorsionado, generalmente creando un
ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo
general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni
arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con
ritmos sencillos de rock and roll. Las voces varían desde expresiones fuertes e
incluso violentas o desgarradas, mientras las letras se caracterizan por tratar
temas como los problemas políticos y sociales (llevando con esto un mensaje de
conciencia que se extiende, tratando de denunciar por medio de la música este
tipo de problemas e incluso se llegan a tratar temas como el no a las drogas,
amor, pacifismo, etc.). Aunque desde finales de los 70 e incluso antes (a
excepción de la lírica) , estos aspectos fueron cambiando gracias a que las
bandas que se formaron en ese tiempo (por general bandas del estilo hardcore y
otras bandas más tradicionalistas) fueron agregando cambios de acorde muy
rápidos en la guitarra, arreglos (para mayor complejidad) y solos de guitarra
(heredados directamente del rock and roll y rockabilly), en el bajo se
introdujeron los arreglos con octava, y la batería aceleraba más el ritmo y el
tempo, las voces eran muchas fuertes.
El punk rock explotó en la corriente musical a finales de los
años 70 con bandas británicas como Sex Pistols; The Clash y The Damned, y
bandas estadounidenses como Ramones, The Dead Boys y Blondie. Más adelante en
la década de los 80, dentro de la escena independiente surgirían dos
movimientos dentro del punk rock que se caracterizarían por seguir las ideas de
la ética Hazlo tú mismo, y con una fórmula musical mucho más agresiva, rápida,
y veloz; en Estados Unidos el hardcore (con bandas como Black Flag, Minor
Threat, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, quienes ayudaron e
influenciaron a músicos que más tarde conformarían la escena hardcore melódica,
skate punk, nardcore e incluso straight edge/youth crew) y en el Reino Unido el
UK '82 (representado por The Exploited, GBH, Chaos UK, Discharge, Varukers,
estos últimos dos dieron continuación e influencia a formas más extremas del
punk como d-beat, crust punk y grindcore). Muchos músicos influenciados por el
punk rock (pero con distintos intereses musicales) más tarde formarían bandas
de post-punk, heavy metal, grunge, emo, noise rock, ska, new wave, rock
alternativo y gótico. En los 90, aparece el grunge con Nirvana; más tarde
bandas californianas de skate punk y hardcore melódico seguirían vendiendo
millones de discos como Offspring, Rancid y NOFX. A mediados de los 90 el
mercado musical promovería a bandas de pop punk como Green Day o Blink-182;
asimismo, bandas de punk hardcore y street punk siguieron formándose como The
Casualties, Unseen, Blanks 77, Agnostic Front, Violent Society, Restarts, First
Step, Battery, Good Clean Fun, entre muchas más bandas.
The Kinks
-----------------------------------------------------------------------------------------------------
...e moitos máis!!!
agardo vos guste a escolma dos enlaces
A Meiga Tintureira
