a semana d 24 de Febreiro
Lembramos a Rosalía de Castro e abrimos as fiestras !!!
http://www.aelg.gal/actividades/dia-de-rosalia-de-castro/2018/2/24/dia-de-rosalia-de-castro-2018
(Blogue da Biblioteca do CEIP A PAZ TINTUREIRA en Coruxo-Vigo).
22 feb 2018
Abrimos fiestras a Rosalía
a semana d 24 de Febreiro
Lembramos a Rosalía de Castro e abrimos as fiestras !!!
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20 feb 2018
19 feb 2018
1 feb 2018
os estilos musicais
a Meiga Tintureira comparte con vosunha escolma dos estilos musicais a partir do S. XX
Estilos musicales a partir del SXX
BLUES
Orígenes musicales Espiritual afroamericano y canciones
de trabajo
Orígenes culturales Música del África occidental, llevada
por los esclavos al sur de Estados Unidos, especialmente al delta del ríoMissisipi.
https://es.wikipedia.org/wiki/Misisipi
Instrumentos comunes
Guitarra, bajo eléctrico,batería,
piano, armónica,saxofón, voz, trombón,trompeta
Popularidad Las progresiones de acordes del blues y las notas de bluesson ampliamente
utilizadas en la mayoría de géneros musicales nacidos de él. El blues está
reconocido como uno de los géneros musicales que mayor influencia ha tenido en
la historia musical del siglo XX.
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Derivados Jazz, Gospel, rhythm
HYPERLINK
Subgéneros
Blues clásico femenino, blues
eléctrico, jump blues, piano blues, boogie-woogie
Fusiones
Zydeco, blues rock, jazz blues,
country blues,punk blues, soul blues
Escenas regionales
Atlanta blues, blues africano, blues
británico,Chicago blues, Delta blues, Detroit blues ,East Coast blues,
Louisiana blues, Memphis blues, New Orleans blues, New York blues,Piedmont
blues, St. Louis blues, swamp blues, Texas blues, West Coast blues
Enlaces
Músicos, escala blues
El blues (cuyo
significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una
estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas ygritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de
los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las
letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es
el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide) y de la armónica (cross harp), que posteriormente influirían en solos de estilos como
el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a
formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz,bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop.
Etimología
La frase the blues hace
referencia a los blue devils (diablos
azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras
referencias athe blues puede
encontrarse en la farsa , a farce in one act (1798) de George Colman.
https://www.youtube.com/watch?v=JeaBNAXfHfQ&list=PL5VFA_MlesytPz5wHC7zfVFZhbG6K0ERi
https://www.youtube.com/watch?v=JeaBNAXfHfQ&list=PL5VFA_MlesytPz5wHC7zfVFZhbG6K0ERi
A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que
en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues ) el término the
blues para referirse a un estado de ánimo depresivo.
Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.
Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.
Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud
con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como
«expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados
de la formalidad de cualquier estructura musical». Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en
los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de
«canciones de un sólo intérprete con contenido emocional». El blues, hoy en día, se puede definir como un género
musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta
del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.
Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y
respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las
raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características
determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión
entre la música del África Occidental y el blues. Eletnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos
elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y
occidental de África.
Los instrumentos de
cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las
regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los
dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a
otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello,
aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían
hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra
elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África
Occidental
Gehard Kubik
Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra,
mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en
ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy
común en todo el sur del continente americano durante los primeros años
del siglo XX—, es una derivación de un
instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia
de técnicas en los primeros comienzos del blues.
La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico. El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues
«preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».
Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de
estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales dedoce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes.Las raíces de la que hoy en
día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en
la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las
regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.
Letras
La forma original de las letras de blues consistió, probablemente,
en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual,
basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se
convirtió en estándar. Estas líneas solían ser
cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.
Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una
narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas
personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los
agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles».Gran parte de los blues más antiguos contienen letras
más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa
por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un
callejón.
Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacia referencia a un instrumento
musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado
para limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud).
Los blues gut-bucket solían
ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la
mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las
calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación,
llegando a ser criticada por predicadores y feligreses.
A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión,
también puede adquirir tintes cómicos o humorísticos, y en muchos casos,
connotaciones sexuales.
El autor Ed Morales afirma que la mitología yoruba jugó un papel importante en los primeros blues,
citando el tema Cross Road Blues del
músico Robert Johnson como una «referencia finamente
velada a Eleguá, el orisha encargado de los caminos».Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues,
como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas
cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de
artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar
de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.
Del estilo al género
Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no
estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran
cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases,
como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de
dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y
en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases
menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top
of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce
compases se refleja en el estándar deprogresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).
Hacia los años treinta, el blues con una estructura de doce compases se
estandarizó. Los acordes blues asociados a una
estructura blues de doce compases suelen estar compuestos normalmente por tres acordes
distintos, los cuales son tocados a través de un esquema de doce compases:
I7
|
I7 o IV7
|
I7
|
I7
|
IV7
|
IV7
|
I7
|
I7
|
V7
|
IV7
|
I7
|
I7 o V7
|
En el gráfico superior, los números romanos indican los grados de progresión; en el caso de que se interprete en una tonalidad de fa,
los acordes serían los siguientes:
F7
|
F7 o Bb7
|
F7
|
F7
|
Bb7
|
Bb7
|
F7
|
F7
|
C7
|
Bb7
|
F7
|
F7 o C7
|
En el ejemplo anterior, fa es
el acorde tónico y sib es el acorde subdominante. La mayoría del tiempo cada
acorde es tocado dentro de la estructura de séptima dominante. Frecuentemente,
el último acorde suele ser el turnaround dominante
(en los ejemplos anteriores corresponde a la V o a do) creando la transición al principio de la siguiente progresión.
Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último
golpe del décimo compás o en el primer golpe del undécimo compás, siendo los
dos últimos compases un momento de ruptura instrumental; la armonía de estos
compases de ruptura, el turnaround,
puede ser extremadamente compleja, consistiendo algunas veces en notas sueltas
que modifican el análisis del tema por completo. El golpe final, al contrario
que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado firmemente en la
séptima dominante, para proveer de tensión al siguiente verso del tema.
Melódicamente, la música blues está marcada por
el uso de terceras, quintas y séptimas disminuidas (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente.Estos tonos de las escalas pueden reemplazar los tonos
naturales de las escalas o añadirse a las mismas escalas, como es el caso de la
escala pentatónica menor de blues, donde las terceras reemplazan a las terceras
naturales, las séptimas a las séptimas naturales y las quintas se añaden entre
las cuartas y las quintas naturales. Mientras que la progresión armónica de la
estructura de doce compases ha sido utilizada durante siglos, uno de los
aspectos más revolucionarios del blues fue el uso frecuente de las terceras,
las séptimas e incluso de las quintas en la melodía, junto con elcrushing (tocar dos notas
adyacentes al mismo tiempo, por ejemplo como las segundas disminuidas) y
el sliding (similar a
las notas de adorno).
Mientras que un músico clásico suele tocar una nota de adorno
distintivamente, un cantante de blues, o un armonicista, tocará glissando, «golpeando las dos notas para soltar a continuación la
“nota de adorno”». En las progresiones de acordes del blues, los acordes
tónicos, subdominantes y dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes,
siendo la séptima menor un componente importante de la escala. El blues suele
tocarse ocasionalmente en una escala menor, diferenciándose ésta de la escala menor tradicional en el
uso ocasional de la quinta en la tónica (cantada por el músico o por el
instrumentista principal con la quinta justa en la armonía).
•
El tema de Big Mama Thornton Ball and Chain,
interpretado por Janis Joplin acompañada por Big Brother and
the Holding Company, muestra un ejemplo de esta técnica.
•
El blues en escalas menores suele estar estructurado en dieciséis
compases en vez de doce, al estilo del género musical gospel, como puede comprobarse en el tema St. James Infirmary Blues y en el tema de Trixie Smith My Man Rocks Me.
•
Algunas veces, se utiliza una escala dórica para los blues de escalas menores, siendo la nota
menor la tercera y séptima pero la mayor correspondiendo a la sexta.
Los shuffles de blues refuerzan el rítmo y
el patrón de llamada y respuesta, formando un efecto repetitivo
denominado groove. Los shuffles más
simples, ampliamente utilizados en el blues eléctrico, el rock and roll o en el bepop inicial de post-guerra,
consistían en un riff de tres notas de las cuerdas
graves de la guitarra; el efecto groove se
creaba cuando se interpretaba este riffcon
el bajo y la batería. Asimismo, el walking bass era otro dispositivo
que permitía crear efectos groove.
El ritmo shuffle suele vocalizarse como «dow,
da dow, da dow, da» o «dump, da dump,
da dump, da»y consiste en ocho notas. Un ejemplo de esto puede
encontrarse en la siguiente tablaturaque muestra los primeros cuatro compases de una progresión
blues en mi:
Mi7 La7 Mi7 Mi7
Mi
|-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
Si
|-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
Sol
|-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
Re
|-------------------|2--2-4--4-2--2-4--4|-------------------|-------------------|
La
|2--2-4--4-2--2-4--4|0--0-0--0-0--0-0--0|2--2-4--4-2--2-4--4|2--2-4--4-2--2-4--4|
Mi
|0--0-0--0-0--0-0--0|-------------------|0--0-0--0-0--0-0--0|0--0-0--0-0--0-0--0|
El blues en el jazz difiere en gran medida del blues en otro tipo
de géneros musicales (como el rock and roll, el rhythm and blues, el soul o el
funk). El jazz blues suele tocarse en el acorde V a
través de los compases 9 y 10, enfatizando la estructura tónica del blues tradicional
(resolución tónica sobre el subdominante). Esta cadencia final de acordes V-I
conlleva por sí misma un gran número de variaciones, siendo la más básica de
ellas la progresión de acordes ii-V-I en los compases 9, 10 y 11. A partir de
este punto, la aproximación dominante (acordes ii-V) y la resolución (acorde I)
pueden alterarse y sustituirse casi indefinidamente, incluyendo por ejemplo la
omisión completa del acorde I (compases 9-12: ii | V | iii, iv | ii, V |). En
este caso, los compases 11 y 12 funcionan como una extensión del turn-around para el siguiente coro.
Recomendaciones para reconocer los solos de blues instrumentales.
La escala pentatónica de blues siempre incluye una 5ta disminuida
y resuelve en la 5ta justa de la tonalidad en la cual se esté ejecutando la
progresión (shuffle); es importante recalcar que la ejecución de esta escala es
para improvisación de solos instrumentales, mayormente en guitarra.
Historia de los distintos géneros
del blues
Orígenes
El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento,
interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros
y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y,
posteriormente, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados
hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las
mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que
se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria
discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y
«música hillbilly» para vender canciones a los negros
y a los blancos, respectivamente.
En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre
los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso en
determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado incorrectamente por
las compañías discográficas.
Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos
músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el
origen del espiritual negro en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. El economista e historiador
afroamericano Thomas Sowell indica que la población
sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos redneck escoceses/irlandeses. Sin
embargo, los descubrimientos de Kubik y otros estudiosos muestran claramente la
esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del blues.
Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se
conocen en su totalidad. La primera aparición del blues
no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con
la emancipación de los esclavos y la transición
de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados
Unidos. Paul Oliver cita un texto de Charlotte Forten, de1862, en el que ya habla de blues como
estado de ánimo y de cómo algunas work songs se cantaban de forma especial, para superar los blues.
Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros
años del siglo XX como un movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia
un género más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está
asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según Lawrence
Levine había una relación directa
entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las
enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues». Levine
indica que «psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron
disgregados culturalmente de tal manera que hubiera sido imposible durante la
esclavitud, y es sorprendentemente complicado que su música secular reflejara
este hecho al igual que hizo su música religiosa».
Lil Green (1919-1954) https://en.wikipedia.org/wiki/Lil_Green
Lucille Hegamin (1894-1970) -
Alberta Hunter (1895-1984)
Ma Rainey (1886-1939)
Clara Smith (1894-1935)
Mamie Smith (1883-1946)
Bessie Smith (1894-1937)
Sippie Wallace (1898-1986)
Ethel Waters (1896-1977)
John Lee Hooker (1917-2001) John Lee Hooker_ Boom boom
JAZZ
Orígenes musicales Blues, música africana,música clásica, minstrel
Orígenes culturales Mediados del Siglo XIX enEstados Unidos
Instrumentos comunes
Corneta - Trombón - Trompeta- Tuba - Clarinete -
Saxofón -Piano - Batería - Guitarra -Contrabajo - Violín - Vibráfono- Flauta -
Fliscorno - Órgano Hammond - Bajo eléctrico -Piano eléctrico - Voz
Popularidad Muy
alta en Estados Unidos en las décadas de los años 1920 y 30, y con un auge en
círculos intelectuales de Europa y Japón, desde 1950en adelante. Extendido
actualmente por todo el mundo, con numerosas escenas locales.
Subgéneros
Ragtime - New Orleans Hot - Dixieland -Swing -
Bebop o Bop - Cool - West Coast jazz- Hard bop - Third Stream - Jazz latino -
Funky jazz o Soul jazz - Free jazz - Post-bop - Jazz fusión.
Fusiones
Fusión Latina: Jazz afrocubano - Bossa nova/
Fusión contemporánea: Jazz rock - Acid jazz- Jazz rap - Jazz funk - Crossover
Jazz -Modern Creative - Smooth Jazz - New age / Fusión étnica: Western swing -
World music -Ska jazz - Jazz flamenco
El jazz (pron. /ʤæz/ en
inglés, /ʝas/ en español) es un género musical nacido a
finales del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió
de forma global a lo largo de todo el siglo XX.
Entre los muchos intentos de delimitar y
describir el complejo fenómeno del jazz,
el crítico y estudioso alemán Joachim-ErnstBerendt, en su obra clásica El
Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock, nos dice:
El jazz es una forma de arte musical que se
originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la
música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan
principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la
producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la
música africana y del concepto musical de los afroamericanos.
El mismo autor continúa describiendo tres
elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:
•
Un sonido y un fraseo que reflejan la
personalidad de los músicos ejecutantes.2
A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de
ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida
y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado
también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a
ella como «el retorno de la música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los
Estados Unidos de Américadeclaraba al jazz como un «destacado modelo de
expresión individual» y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha
señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una
particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música,
dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados
al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre
la innovación y la tradición, el jazz siempre se ha movido entre la obra de
unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero
selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más
amplia.
La identidad musical del jazz es compleja y no
puede ser aislada ni delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo
el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace,
por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en
realidad una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten
características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de
género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones
sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como
música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una
concentración profunda) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer
lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz,
moldeando su recepción por parte del público. Si bien es cierto que el jazz es
un producto de la cultura
afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de
otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido
ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy
diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de
músicos comerciales, que los
aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición,
entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los
afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.
Sarah Vaughan https://es.wikipedia.org/wiki/Sarah_Vaughan
ROCK
Orígenes musicales jazz,
blues, soul, country.
Orígenes culturales A
partir de los años 1960, enGran Bretaña, y de los años 1950, en los Estados
Unidos.
Instrumentos comunes
guitarra acústica, bajo, batería,guitarra eléctrica, teclado.
Popularidad Muy alta en todo
el mundo, desde su origen.
Subgéneros
Categoría:Música rock
Categoría:Historia del rock
El rock es
un género musical del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de
los diversos géneros musicales derivados delrock and roll. Suele interpretarse, entre
otros muchos instrumentos que habitualmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano.
El primitivo rock se deriva de gran cantidad de fuentes,
principalmente blues, rhythm and blues y country, pero también del gospel, jazz y folk, todas estas influencias combinadas en una simple estructura
musical que, basada en blues, «era rápida, bailable y pegadiza».
Musicalmente, el rock se ha centrado sobre la guitarra eléctrica, usualmente como parte de un grupo de rock con un bajo y
una batería. Típicamente, el rock es una música centrada en las canciones usualmente con ritmo 4/4 usando una estructura verso-coro, pero el género se ha vuelto
extremadamente diverso y las características
musicales comunes son difíciles de definir. Como la música Pop, las letras
usualmente se centran en el amor romántico pero también tratan un rango amplio de otros temas
con un énfasis frecuente en lo social y lo político. El dominio del Rock por músicos varones, ha sido visto como uno de los factores principales que
definen los temas explorados en la música Rock.
El Rock resalta aún más el énfasis en la composición, la actuación en vivo, y la autenticidad que la música Pop.
A finales de la década de 1960, referida como la “era dorada” o el
periodo del “Rock clásico”, un número de subgéneros distintivos del Rock ha
aparecido, híbridos como el Blues Rock, Folk Rock, Country Rock, y el Jazz Rock fusión, muchos de los cuales contribuyeron al
desarrollo delRock Psicodélico influenciado por la escena psicodélica contra-cultural. Los nuevos géneros que emergieron
de esta escena incluyen el Rock Progresivo, el cual extendió los elementos artísticos; el Glam Rock, el cual resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual; y el subgénero mayor, diverso y longevo que es el Heavy Metal, el cual se centraba en el volumen, el poder y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el Punkintensifico y reaccionó contra algunas de estas tendencias para
producir una música cruda y energética. El Punk fue una influencia en la década
de 1980 en el desarrollo subsecuente de otros subgéneros, incluyendo el New Wave, el Post-Punk y eventualmente el movimiento del Rock Alternativo. Desde la década de 1990, el Rock Alternativo comenzó a
dominar el género y saltó a la fama en las formas de Grunge, Britpop e Indie Rock. Desde entonces han aparecido otros subgéneros de fusión,
como el Pop Punk, Rap Rock y Rap Metal, así como intentos conscientes de recordar la historia del
Rock, incluyendo la restauración de principios del nuevo milenio del Garage Rock, el Post-Punk y el Synthpop.
La música Rock también abarcó y sirvió de vehículo para los
movimientos culturales y sociales, llevando a la creación de subculturas importantes
incluyendo los Mods y los Rockers en el Reino Unido, y la contracultura hippie que se propagó en San Francisco (Estados Unidos) en la
década de 1960. De forma similar, la cultura Punk de la década de 1970 originó las subculturas visualmente
distintivas Emo y Gótico. Heredando la tradición folclórica de la Canción de Protesta, la música Rock ha sido asociada con el activismo político así como los cambios en las
actitudes sociales sobre el racismo, el sexo y el uso de drogas, y es usualmente vista como una expresión de la rebelión juvenil contra el consumismo y conformismo de la población adulta.
David Bowie
Janis Joplin
Loquillo Loquillo - Rock
HYPERLINK
"Loquillo%20-%20Rock%20&%20Roll%20Star(480p_H.264-AAC).flv"&
HYPERLINK "Loquillo%20-%20Rock%20&%20Roll%20Star(480p_H.264-AAC).flv"
Roll Star
Gabinete Caligari Gabinete Caligari HYPERLINK
"Gabinete%20Caligari%20Cuatro%20Rosas.avi(360p_H.264-AAC).flv"- HYPERLINK
"Gabinete%20Caligari%20Cuatro%20Rosas.avi(360p_H.264-AAC).flv"Cuatro
Rosas
ROCK ALTERNATIVO
El rock
alternativo es un género musical que nació en
los años 80 principalmente
a partir del oscuro sonido del post-punk y sus
subgéneros
que muchas veces utiliza música compuesta por sonidos y elementos musicales no tradicionales, con menos melodía, armonía o ritmo, apegándose a la llamada cultura underground (es decir, un género anti-popular, anti-comercial y contrario a los estilos comunes y populares). Alcanzó sus mayores cuotas de madurez y popularidad en los años 90, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de él desde entonces.
que muchas veces utiliza música compuesta por sonidos y elementos musicales no tradicionales, con menos melodía, armonía o ritmo, apegándose a la llamada cultura underground (es decir, un género anti-popular, anti-comercial y contrario a los estilos comunes y populares). Alcanzó sus mayores cuotas de madurez y popularidad en los años 90, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de él desde entonces.
El término "alternativo" se acuñó para describir una nueva y distinta
forma de hacer "rock", estilo que comúnmente está asociado a ser muy
masivo y de alta popularidad al igual que el pop; mientras que este nuevo
género no ponía el énfasis en el éxito o las ventas, sino que casi al
contrario, con un sonido menos melódico y oscuro que se movía entre pequeños
bares, pubs o clubes del circuito underground (es
decir, que no se ajustaban a la música mainstream de la época. ); también,
no se valían de la radio para popularizarse, sino que más bien del "boca a
boca"; otra característica común de estos artistas o grupos era que
grababan sus álbumes en discográficas independientes. Entre los diversos
géneros que han surgido en la escena independiente, cabe destacar el shoegazing, el noise rock, el grunge, el britpop o el indie rock, entre muchos
otros. Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los
géneros que surgieron a partir de él.
Aunque la denominación hace referencia al rock,
algunos de los subgéneros que engloba también reciben la influencia de otros
estilos como elfolk, o el jazz entre otros. En ocasiones el término
se ha empleado equivocadamente a partir de los 90 como una expresión comodín
para denominar, paradójicamente, al rock en general.
Durante los 80, el éxito comercial de algunos
grupos de rock alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales como Radiohead, The Smashing
Pumpkins, Sonic Youth, R.E.M. o The Cure, supuso que no se
diera tanta importancia a grabar para una discográfica independiente o tener
éxito únicamente en circuitos underground, como a ser una
alternativa a la música comercial.
En los 90, además de la maduración y la
profundización del género, algunos subgéneros alcanzaron el esquivo éxito
popular, de la mano de sonidos más comerciales, como el grunge en Estados Unidos y el britpop en el Reino Unido.
Entre los álbumes de rock alternativo más
alabados por la crítica se encuentran OK Computer (que también
es considerado uno de los mejores álbumes de la historia de la música) y The Bends de Radiohead, Grace de Jeff Buckley, Daydream Nation de Sonic Youth, Loveless de My Bloody Valentine y Siamese Dream de The Smashing
Pumpkins
n términos de sonido, tiene grandes similitudes con el post-punk y sus subgéneros , compartiendo con ellos un sonido
menos armónico, menos melódico, oscuro, depresivo, desgarrador, carente de todo sonido alegre o
festivo. Como ya se ha dicho, utiliza música compuesta por elementos y sonidos
musicales no tradicionales, y a veces hasta pasa por alto elementos de la
estructura musical como armonía y ritmo. La composición y la creación musical suele
concentrarse en el sonido general de la obra mas que en el lucimiento de un
sólo instrumento o músico, al igual que en el rock experimental y el rock
progresivo; Los vocalistas suelen cantar con una voz y un tono carente de todo
sentimiento; Generalmente, el ritmo de las canciones es lento y, con mucha
frecuencia, sobrepasan los cuatro minutos de duración mínima y no es frecuente
el uso de solos de guitarra. También esta fuerte relación se aprecia en la
composición lírica, donde muchas veces los versos no riman unos con otros. La
evolución en relación al post-punk, se nota a partir de nuevos sonidos y formas
de tocar la guitarra (muchas veces se ocupan guitarras con sonido distorsionado),
pudiendo también incluir la guitarra acústica por ejemplo, pero siempre
manteniendo la "oscuridad". También, en el caso de algunas bandas y
artistas, el rock alternativo toma influencias del hard rock en la agresividad y solos de guitarra de las canciones, aunque la
diferencia radica en que estos solos suelen ser mucho más ruidosos y
anti-melódicos (ejemplo: Radiohead, "My Iron Lung"; The Smashing Pumpkins, "Soma"; Nirvana, "Smells Like Teen Spirit").
El término rock
alternativo
La música conocida actualmente como rock
alternativo fue denominada bajo otras etiquetas antes de que el adjetivo
«alternativo» fuera de uso común. En el Reino Unido se utilizó la
expresión «college rock» para definir la música que se programaba en las
emisoras de radio universitarias y los gustos de los estudiantes que las
escuchaban. En Estados Unidos el término
más empleado fue «indie», denominación que nació alrededor de 1985 para agrupar
a varios subgéneros y que sigue
vigente en la actualidad. «Indie rock» fue la expresión equivalente en EE. UU.
hasta el auge comercial que vivió el género en los primeros 90, debido a que la
mayoría de estos grupos grababan en compañías independientes. Hacia el año 1990
se popularizó el término «rock alternativo»,unque la
expresión comenzó a utilizarse a mediados de los 80.
El rock alternativo se ha definido desde sus
inicios por su rechazo al mercantilismo de la cultura establecida. Los grupos
alternativos de los 80 actuaban en pequeños clubes, grababan en discográficas
independientes y eran conocidos por sus seguidores a través del boca a boca.El rock
alternativo no es un estilo musical como tal, sino una denominación muy amplia
que abarca desde las guitarras distorsionadas y las letras depresivas del
grunge, hasta la inocencia desaliñada del twee pop, pasando por el
pop revivalista del britpop, las melodías etéreas del dream pop o la
experimentación del post rock.
Radiohead https://es.wikipedia.org/wiki/Radiohead
Nirvana Come As You Are (unplugged)
SuedeColdplay
ROCK SINFÓNICO
El rock sinfónico es
un estilo musical surgido, dentro del llamado rock progresivo, a partir de mediados de los sesenta, que
pretendió explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa
de elementos de la música docta (usualmente llamada música
"clásica"), lapsicodelia y el hard rock.
El "rock sinfónico" toma su nombre de
la sonoridad de las sinfonías clásicas, que a partir de entonces se agrega a la
paleta de colores del rock/pop. La sonoridad sinfónica se recrea mediante el
uso de orquestas completas, secciones de cuerda o instrumentos electrónicos que
las imitan, en un principio sintetizadores de cuerdas, como el mellotron. Los primeros
experimentos de este tipo se encuentran en canciones como Yesterday o Eleanor Rigby de The Beatles.
Las primeras grandes obras del género son
el Concierto para Grupo y Orquesta editado en
enero de 1970 por Deep Purple, y Atom Heart Mother lanzado en octubre
de 1970 por Pink Floyd.
( En música, un álbum conceptual es un álbum unificado por
un tema común, que puede ser instrumental, narrativo, en la composición o en
las letras. Los álbumes conceptuales son planificados, concebidos con todas sus
canciones contribuyendo a un único tema en general o a una historia, siendo
esta historia o plan el concepto. Esta es la diferencia con un álbum normal de
una banda, compuesto por varias canciones sin conexión entre sí, escritas por
la banda/artista o siendo versiones de otros artistas/bandas. A veces se
considera como un álbum conceptual a un disco con un clima o "humor"
en general, haciendo que una definición precisa del término se haga muy
problemática.)
POP
La expresión música pop (del inglés pop
music, contracción de popular
music) hace referencia a una combinación de distintos géneros musicales altamente populares dentro de una
sociedad
El Diccionario de la lengua española define «pop»
como «un cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos musicales
negros y de la música folclórica británica», siendo el término procedente del
inglés pop, un acortamiento
de popular (popular).
Los autores y estudiosos de música David Hatch y
Stephen Millward definieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el
cual es distinguible de lo popular, jazz y música folk».
Mientras que la música pop, como género, suele
ser vista como un estilo existente y en desarrollo por separado.
El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el
sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular».
A partir de la década de 1950, el término «música
pop» se ha utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado
joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll.
A raíz del auge de los artistas británicos de la
conocida como invasión británica, alrededor de
1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rock" HYPERLINK
"http://es.wikipedia.org/wiki/Rock"rock, para describir
una forma musical más comercial, efímera y accesible.10
Aunque la música pop a menudo vista como
orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste
simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre
canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, mientras que la música pop como
género es generalmente contemplado con una existencia y desarrollo separado
El principal elemento de la música pop es
la canción, a menudo entre
dos y medio y tres minutos y medio de duración, en general, marcada por
un elemento rítmico constante y
notable, un estilo culturalmente establecido y una estructura tradicional y
simple. Las variantes
más comunes son el verso-coro y la forma de treinta y dos compases, con una
especial atención a las melodías pegadizas y un coro que contrasta melódica, rítmica y armónicamente con el verso. El ritmo y
las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico limitado. Las letras de
las canciones pop modernas se centran típicamente en temas simples, a menudo el
amor y las relaciones románticas, aunque hay también notables excepciones.
Madona - Material Girl
Beatles _ Penny Lane
COUNTRY
Country (también llamado Country
& Western) es un género musical surgido en los años 20 en las regiones rurales del Sur de Estados
Unidos y las Marítimas de
Canadá y Australia. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos
países europeos de inmigrantes, principalmenteIrlanda, con otras formas musicales ya arraigadas
en Norteamérica, como el blues y la música espiritual y religiosa como el gospel. El términocountry comenzó a ser utilizado en los años 50 en detrimento del término Hillbilly, que era la forma
en que se lo conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso en los 70.
El country tradicional, se tocaba esencialmente
con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo (fiddle) y el contrabajo, aunque también
intervenían frecuentemente el acordeón (de
influencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country
moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados,
el dobro, o la steel guitar
Dolly Parton Dolly Parton HYPERLINK
"Melissa%20Etheridge%20&%20Dolly%20Parton%20-%20Come%20To%20My%20Window%20(Crossroads)(360p_H.264-AAC).flv"&
HYPERLINK
"Melissa%20Etheridge%20&%20Dolly%20Parton%20-%20Come%20To%20My%20Window%20(Crossroads)(360p_H.264-AAC).flv"
Melissa Etheridge - Come To My Window
MÚSICA POPULAR
Es la que se transmite oralmente, de unas personas a otras de
la comunidad.
Jota de Alén
Sobre el término "folk"
El término inglés del folk ganó su uso en 1245
(durante el período romántico) para referir a campesinos o a la gente que no
sabe leer y escribir, se relaciona con la palabra alemana Volk (gente o nación
del significado). El término se utiliza para acentuar que la música Folk emerge
espontáneamente de las comunidades de gente normal. "mientras que la
complejidad de la estratificación social y de la interacción clara se aumentó,
los varios criterios de condicionamiento, tales como ' continuidad ', '
tradición ', ' transmisión oral ', ' anonimato ' y orígenes no comerciales,
llegaron a ser más importantes que las categorías sociales simples ellos
mismos." Charles Seeger (el año (1980) describe tres criterios que definen
contemporáneos de la música Folk.
•
1. Un esquema que abarca cuatro tipos
musicales: ' primitivo ' o ' tribal '; ' élite ' o ' arte '; ' gente '; y '
popular '. ... la música Folk se asocia generalmente a una clase más baja en
las sociedades que son cultural y social estratificadas, es decir, que han
desarrollado una élite, y posiblemente también una cultura popular, musical. Cecil
Sharp (1907), A.L. Lloyd (1972).
•
2. Procesos culturales más bien que tipos
musicales... continuidad y transmisión oral del extracto... consideradas como
caracterizar un lado de una dicotomía cultural, encuentran al otro lado de la
cual no solamente en las capas más bajas de feudal, a capitalista y algunas
sociedades orientales pero también en sociedades ' primitivas ' y en partes de
las ' culturas populares. Redfield (1947) y Dundes (1965).
•
3. Menos prominente, "un rechazamiento de
límites rígidos, prefiriendo un concepto, simplemente de la práctica que varía
dentro de un campo sobre la música".
Aparte de la música instrumental que forma una parte de música folk, especialmente las tradiciones de la música de danza, mucha música tradicional son música vocal, puesto que el instrumento que hace tal música es generalmente práctico. Como tal, la mayoría de la música tradicional tiene líricas significativas.
El verso narrativo en la música Folk se muestra
enormemente en muchas culturas. Esto abarca las formas tales como la poesía épica tradicional,
mucha de la cual fue significada originalmente para el funcionamiento oral,
acompañado a veces por los instrumentos. Muchos poemas épicos de varias
culturas fueron ensamblados de pedazos más cortos del verso narrativo
tradicional, que explica su estructura episódica. Otras formas de verso
narrativo tradicional relacionan los resultados de batallas y de otros
desastres del tragedia o naturales. A veces, según lo en la canción triunfante
de Deborah encontrada en el libro bíblico Book of Judges, estas canciones
celebran la victoria. Se lamenta para las batallas y las guerras perdidas, y
las vidas perdidas en ellas, son igualmente prominentes en muchas tradiciones populares;
éstos lamentan de la subsistencia viva la causa para las cuales la batalla fue
luchada. Algunas narrativas populares de la canción recuerdan acontecimientos
supernaturales o muertes misteriosas.
Historia da música en Galicia Historia
Milladoiro, A bruxa - Milladoiro.wmv(360p_H.264-AAC).flv
Berrogueto,Berrogüetto
Marta Quintana
https://www.youtube.com/channel/UCBFlEKvS9MaP-u22wP7dMoA
( se queres saber máis busca estes músicos no YouTube)
TANGO
UNESCO logo.svg UNESCO-ICH-blue.svg
Patrimonio cultural inmaterial de la Unesco
Tango au01.JPG
Pareja bailando tango.
País
Flag of Argentina.svg Argentina
Flag of Uruguay.svg Uruguay
Tipo
Cultural inmaterial
Región
América Latina y el Caribe
Año de inscripción
2009 (IV sesión)
Tango
Orígenes musicales
Tango flamenco, Habanera, candombe, milonga, zarzuela, polka,
vals, payada.
Orígenes culturales
Zona del Río de la Plata1
Instrumentos comunes
Bandoneón, guitarra, piano, violín y contrabajo
Popularidad
Alta en Europa, América y Japón
Subgéneros
Tango-pasional
Fusiones
Tango-canción, tango-milonga, tango electrónico
El tango es un género musical y una danza, característica de
la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las
ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay). El escritor
Ernesto Sabato destacó la condición de "híbrido" del tango.2 El
poeta Eduardo Giorlandini destaca sus raíces afrorioplatenses, con la cultura
gauchesca, hispana, africana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran
ola inmigratoria llegada principalmente de Europa.3 La investigadora Beatriz
Crisorio dice que "el tango es deudor de aportes multiétnicos, gracias a
nuestro pasado colonial (indígena, africano y criollo) y al sucesivo aporte
inmigratorio".4Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros
musicales cuya presencia se ha vuelto familiar en todo el mundo, así como uno
de los más populares.
Distintas investigaciones señalan seis estilos musicales
principales que dejaron su impronta en el tango: el tango andaluz, la habanera
cubana, el candombe, la milonga, la mazurca y la polka europea.
El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza
sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada
persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí.
Refiriéndose a esa relación, Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos
poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».
Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o
ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede
llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con
una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos
violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar
central.
Muchas de las letras de sus canciones están escritas en un
argot local rioplatense llamado lunfardo y suelen expresar las emociones y
tristezas que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, especialmente «en
las cosas del amor».10
El 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de
Buenos Aires y Montevideo, la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial
de la Humanidad
Carlos Gardel (1890-1935).
Ástor Piazzolla (1921-1992).
Julio Sosa (1926-1964).
FLAMENCO
Para otros usos de este término, véase Flamenco
(desambiguación).
Flamenco
UNESCO logo.svg UNESCO-ICH-blue.svg
Patrimonio cultural inmaterial de la Unesco
Belen maya.jpg
La bailaora Belén Maya.
País
Flag of Spain.svg España
Tipo
Cultural inmaterial
Región
Europa y América del Norte
Año de inscripción
2010 (V sesión)
Flamenco
Orígenes musicales
Música y danza de Andalucía transformada por la idiosincrasia
del pueblo andaluz, y de las distintas culturas que convivían en esta región.
Orígenes culturales
Flag of Andalucía.svg Andalucía
Instrumentos comunes
Voz, palmas, guitarra, castañuelas
otros
Popularidad
Se trata del género popular español con más repercusión
internacional
Fecha de origen
Finales del siglo XVIII - principios del siglo XIX
Derivados
Nuevo flamenco, Flamenco Chill, Flamenco House
El flamenco es un género musical español que se da sobre todo
en Andalucía y zonas de Extremadura y la Región de Murcia.12 Sus principales
facetas son el cante, el toque y el baile, contando también con sus propias
tradiciones y normas. Tal y como lo conocemos hoy en día data del siglo XVIII,
y existe controversia sobre su origen, ya que aunque existen distintas
opiniones y vertientes, ninguna de ellas ha podido ser comprobada de forma
histórica. Aunque el diccionario de la RAE lo asocia especialmente a la etnia
gitana,3 es más que perceptible la fusión de las distintas culturas que
coincidieron en la Andalucía de la época. De todas las hipótesis sobre su
origen, la tesis más extendida es la que expone el origen morisco, solo que el
mestizaje cultural que por entonces se dio en Andalucía: oriundos, musulmanes,
gitanos, castellanos y judíos; propició su creación. De hecho, ya existía en la
región de Andalucía su germen mucho antes de que los gitanos llegaran, teniendo
también en cuenta que había gitanos en otras regiones de España y de Europa,
pero el flamenco fue únicamente cultivado por los que se encontraban en
Andalucía.4
En noviembre de 2010 la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural
Inmaterial de la Humanidad5 a iniciativa de las comunidades autónomas de Andalucía,
Extremadura y Murcia. Además es Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico
Andaluz y está inscrito en el Inventario General de Bienes Muebles de la Región
de Murcia establecido por la Dirección General de Bellas Artes y Bienes
Culturales.
Su popularidad en Hispanoamérica ha sido tal que en Costa
Rica, El Salvador, Guatemala, México, Panamá, Venezuela y Puerto Rico han
surgido diversas agrupaciones y academias.6789 Su gran difusión y estudio
en Chile ha permitido incluso la aparición de conocidas figuras nacionales como
los guitarristas Carlos Ledermann10 y Carlos Pacheco Torres, el cual imparte
una cátedra de guitarra flamenca en el Conservatorio Superior de Música Rafael
Orozco de Córdoba.11 En Japón es tan popular que se dice que en ese país hay
más academias de flamenco que en España.12
BOSSANOVA
La bossa nova es un género musical de la música popular
brasileña derivado del samba y con una fuerte influencia del jazz.
En los inicios, el término se usó para designar una nueva
manera de cantar y tocar el samba y vino a ser una «reformulación estética»
dentro del moderno samba urbano carioca. Basándose en una instrumentación
simple y un elegante manejo de las disonancias, desarrolló un lenguaje propio
con un íntimo lirismo.1
Surgió a finales de los años cincuenta gracias a músicos como
João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y otros jóvenes cantores y
compositores de clase media de la zona sur de Río de Janeiro. Con el pasar de
los años, la bossa nova se convirtió en uno de los movimientos más influyentes
de la historia de la música popular brasileña, llegando a alcanzar proyección
mundial. Algunos ejemplos fundamentales de bossa lo constituyen canciones como
«Garota de Ipanema» (La chica de Ipanema) y «Chega de saudade», compuestas
ambas por Vinícius de Moraes y Antônio Carlos Jobim.
Gilberto Gil (1942-)
Caetano Veloso (1942-)
Toquinho (1946-)
Elis Regina (1945-1982)
Música disco
Orígenes musicales
Funk ·
soul ·
R&B ·
psicodélica ·
latina (especialmente
salsa) ·
pop ·
pop rock ·
soca (también música
afro-cubana) ·
swing ·
big band ·
philadelphia sound
Orígenes culturales
Inicios de los 70 o finales de los 60, Estados Unidos
Instrumentos comunes
batería, caja de ritmos, sintetizadores de violin, guitarra
eléctrica, piano, voz, percusión y bajo
Popularidad
Muy alta, en todo el mundo en general, especialmente en
estados unidos, europa y latinoamérica durante los 70, uno de los géneros más
populares de todos los tiempos
Derivados
Synth pop, hip hop, EDM, house, new wave, freestyle, funky
house
Subgéneros
Space disco · post-disco · italo disco · euro disco · disco polo · cosmic disco · nu-disco
La Música disco o simplemente Disco es un género de música de
baile derivada del rhythm and blues que mezcló elementos de géneros anteriores,
como el soul y el funk, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó
en las salas de fiesta (discotecas) en la segunda mitad de los años 1970.
ABBA.
SOUL
El soul es un género musical originario de Estados Unidos que
combina elementos del góspel, del doo-wop y del rhythm and blues.1 De acuerdo
con el Rock and Roll Hall of Fame, el Soul es un tipo de «música que surgió de
la experiencia de la comunidad afrodescendiente en América a través de la
transmutación del góspel y del rhythm & blues en una forma de declaración
funky y secular».2 Los ritmos pegadizos, acentuados por palmas y movimientos
corporales espontáneos, son un importante elemento del soul. Otras
características son la llamada y respuesta entre el solista y el coro, y un
sonido vocal particularmente tenso. El género utiliza también, ocasionalmente,
añadidos improvisados, giros y sonidos auxiliares.
MÚSICA MINIMALISTA
La música minimalista es un género originario de Estados
Unidos que se cataloga como experimental que empezó a ser creada en los años
sesenta basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o
en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases
musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento
empezó a comienzos de los 1960s como un movimiento underground en los espacios
alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oír en los lofts de Nueva
York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música
experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de
compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry
Riley, Steve Reich, Philip Glass, y ―con menos visibilidad aunque original― La
Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel
Goeyvaerts, Yann Tiersen, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve
Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens, John Tavener y Ludovico
Einaudi.
Jean
Michel Jarre
NEW
AGE
Para
otros usos de este término, véase New Age.
New
Age
Orígenes
musicales
Música
electrónica, clásica, folk, rock progresivo, world music, música minimalista y
rock instrumental
Orígenes
culturales
Inicios
de la década de 1960 en los Estados Unidos de América y Europa.
Instrumentos
comunes
Sintetizador,
Arpa, Piano, Trombón, Violín, Cello, Flauta, Tornamesa, Guitarra (Acústica y
eléctrica), Batería, Órgano.
Subgéneros
Gótico
etéreo, Ritmo céltico, Cantos en coro, Post-rock, Ópera electrónica,
Trans-Global, Neoflamenco, Ritmos étnicos
Vangelis
Enya
El
New Age es un género musical, creado por diferentes estilos cuyo objetivo es
crear inspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por
los que practican yoga, masaje, meditación,1 y lectura como método para
controlar el estrés2 o para crear una atmósfera pacífica en su casa o en otros
entornos, y suele asociarse al ecologismo y a la espiritualidad New Age.1
Las
armonías en la música New Age suelen ser generalmente modales, consonantes, o
incluir un bajo en forma de drone. Las melodías suelen ser repetitivas, para
crear una sensación hipnótica, y a veces se utilizan sonidos de la naturaleza
como introducción a un tema o a una pieza. Son frecuentes las piezas de hasta
treinta minutos.
La
música New Age puede ser tanto electrónica, normalmente basándose en pads de
sintetizador sostenidos o largos trozos de secuenciador, como acústica,
utilizando instrumentos como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia
gama de instrumentos acústicos no occidentales. En muchos casos se utiliza el
sampleo digital de instrumentos de alta calidad en lugar de instrumentos
orgánicos. Los arreglos vocales solían ser extraños en la música New Age, pero
a medida que fue evolucionando las vocales se hicieron más comunes,
especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito o música
tibetana. Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las creencias New Age,
mientras que otros grupos no consideran que su propia música pertenezca a esta
forma de pensamiento, y ello aunque su música se haya catalogado como New Age
por los sellos discográficos, las tiendas de discos o los programas de radio.
RAP
El rap es una forma musical que incorpora "rima, habla
rítmica y jerga", que se interpreta o se canta en una variedad de formas,
por lo general sobre un backbeat o acompañamiento musical. Los componentes del
rap incluyen "contenido" (lo que se dice), "flow" (ritmo,
rima) y "entrega" (cadencia, tono). El rap difiere de la poesía en
que el rap generalmente se interpreta sobre una pista instrumental. El rap a menudo
se asocia con, y es un ingrediente principal de la música hip-hop, pero los
orígenes del fenómeno son anteriores a la cultura hip-hop. El precursor más
temprano del rap moderno es la tradición griot del oeste de África, en la cual
"historiadores orales", o "cantantes de alabanza", diseminarían
tradiciones orales y genealogías, o usarían sus formidables técnicas retóricas
para cotillear o "elogiar o criticar individuos". Las tradiciones de
Griot se conectan con el rap a lo largo de un linaje de reverencia verbal negra
que se remonta a las prácticas del antiguo Egipto, a través de James Brown
interactuando con la multitud y la banda entre canciones. Por lo tanto, las
letras y la música de rap forman parte del "continuum retórico negro"
y pretenden reutilizar elementos de tradiciones pasadas al tiempo que se
expanden a través de "el uso creativo del lenguaje y los estilos y
estrategias retóricas". La persona a la que se considera como creador del
estilo de "pronunciar rimas sobre música extensa", que se conocería
como rap, fue Anthony "DJ Hollywood" Holloway de Harlem, Nueva York.
El rap se suele pronunciar sobre un beat, normalmente
proporcionado por un DJ, un turntablista, un Beatboxer o una A capella sin
acompañamiento. Estilísticamente, el rap ocupa un área gris entre el habla, la
prosa, la poesía y el canto. La palabra, que es anterior a la forma musical,
originalmente significaba "golpear ligeramente", y ahora se usa para
describir el habla rápida o la réplica. La palabra había sido utilizada en
inglés británico desde el siglo XVI. Fue parte del dialecto afroamericano del
inglés en la década de 1960 que significa "conversar", y muy pronto
después de eso en su uso actual como un término que denota el estilo musical.
Hoy en día, el término rap está tan estrechamente asociado con la música
hip-hop que muchos escritores usan los términos indistintamente
HIP-HOP
El Pionero del Hip Hop Afrika Bambaataa mezclando electro con
Rappings y algunos Beats. Bambaataa, el DJ, es por supuesto el Rapero en esta
canción; este es el primer Rapping que se hace acompañado de una tornamesa.
El hip-hop1 es un movimiento compuesto por una mezcla de
formas artísticas, originadas dentro de una subcultura marginal en el Sur del
Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, entre jóvenes afroamericanos e
hispanos durante la década de 1970.2345Se caracteriza por cuatro elementos,
los cuales representan las diferentes manifestaciones de la cultura: rap (oral:
recitar o cantar), turntablism o "DJing" (auditiva o musical),
breaking (físico: baile) y graffiti (visual: pintura). A pesar de sus variados
y contrastados métodos de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la
violencia que subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la subcultura.
Para este grupo de jóvenes, ofrece rebelarse en contra de las desigualdades y
penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York,
así que el "hip-hop" funcionó inicialmente, como una forma de
auto-expresión que propondría reflexionar, proclamar una alternativa, tratar de
desafiar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de dicho entorno,
favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras continúa la historia contemporánea,
a nivel mundial, hay un florecimiento de diversos estilos en cada uno de los
cuatro elementos, adaptándose a los nuevos contextos en los que se ha inmerso
el hip-hop, sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales
proporcionan estabilidad y coherencia a la cultura.
El origen de la cultura se deriva de las fiestas callejeras
por los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplificadores para sus
instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect Avenue.
La misma idea de tomar energía de la calle misma colgándose a las farolas las
retomó DJ Kool Herc después de sus fiestas en la sala de recreo del condominio
en el 1520 de Sedgwick Avenue, en donde hizo mezcla de los intermedios
percusivos breaks de los temas soul y funk para impresionar a la multitud y
especialmente de algunos bailarines que buscaban esos 'breaks' para lucirse en
sus habilidades gimnastas b-boys, mientras algún MC animaba las fiestas y
rimaba al ritmo, es decir rapeaban, de los diferentes beats, al tiempo que
varios bailarines competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa
que Kool Herc sea reconocido como el "padre" del hip hop. El DJ
Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, diseño los pilares de la cultura
hip hop, a la que él acuñó los términos: MCing o "Emceein", DJing o
"Deejayin", b-boying y graffiti o aerosol writin.678
MÚSICA ELECTRÓNICA
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea
instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su
producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido
producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido
mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos
ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el
telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos
puramente electrónicos puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el
sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a
una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1990, la
disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles propició que la
música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la
actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y
compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas
populares como la música electrónica de baile.
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea
instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su
producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido
producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido
mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos
ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el
telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos
puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el
sintetizador de sonido y el ordenador. La música electrónica se asoció en su
día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales
del año 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles
propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez
más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad
técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental
hasta formas populares como la música electrónica de baile. En 1897, La
habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música
electrónica, aunque esta no sea absolutamente necesaria para ello. El primer
dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en
1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente,
pero no reproducirlos de nuevo.1 En 1878, Thomas A. Edison patentó el
fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se
siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner
desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Otro invento significativo que
posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica fue la
válvula audión, del tipo triodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la
primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y
amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación
electrónica y otras variadas aplicaciones
REAGGE
El reggae es un género musical que se desarrolló por primera
vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término
se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música
jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical
específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el
rocksteady.
El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de
acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del
reggae es más lento que el del ska3 y el rocksteady[cita requerida]. El reggae
suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, y utiliza la guitarra
para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el acorde desde el
segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer beat", tanto
por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que
diferencia al reggae del rocksteady.
The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y
Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a
través de las tres etapas la primera música popular jamaiquina: ska, rocksteady
y reggae. Otros pioneros del reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y
Jackie Mittoo.
PUNK
El punk, también llamado punk rock, es un género musical
dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Este género se
caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y
contracultural. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a
veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías agresivas de
duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados y
ruidosos cargados de mucha distorsión, pocos arreglos e instrumentos y, por lo
general, de compases y tempos rápidos.
Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la
crudeza del sonido amplificado y muy distorsionado, generalmente creando un
ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo
general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni
arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con
ritmos sencillos de rock and roll. Las voces varían desde expresiones fuertes e
incluso violentas o desgarradas, mientras las letras se caracterizan por tratar
temas como los problemas políticos y sociales (llevando con esto un mensaje de
conciencia que se extiende, tratando de denunciar por medio de la música este
tipo de problemas e incluso se llegan a tratar temas como el no a las drogas,
amor, pacifismo, etc.). Aunque desde finales de los 70 e incluso antes (a
excepción de la lírica) , estos aspectos fueron cambiando gracias a que las
bandas que se formaron en ese tiempo (por general bandas del estilo hardcore y
otras bandas más tradicionalistas) fueron agregando cambios de acorde muy
rápidos en la guitarra, arreglos (para mayor complejidad) y solos de guitarra
(heredados directamente del rock and roll y rockabilly), en el bajo se
introdujeron los arreglos con octava, y la batería aceleraba más el ritmo y el
tempo, las voces eran muchas fuertes.
El punk rock explotó en la corriente musical a finales de los
años 70 con bandas británicas como Sex Pistols; The Clash y The Damned, y
bandas estadounidenses como Ramones, The Dead Boys y Blondie. Más adelante en
la década de los 80, dentro de la escena independiente surgirían dos
movimientos dentro del punk rock que se caracterizarían por seguir las ideas de
la ética Hazlo tú mismo, y con una fórmula musical mucho más agresiva, rápida,
y veloz; en Estados Unidos el hardcore (con bandas como Black Flag, Minor
Threat, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, quienes ayudaron e
influenciaron a músicos que más tarde conformarían la escena hardcore melódica,
skate punk, nardcore e incluso straight edge/youth crew) y en el Reino Unido el
UK '82 (representado por The Exploited, GBH, Chaos UK, Discharge, Varukers,
estos últimos dos dieron continuación e influencia a formas más extremas del
punk como d-beat, crust punk y grindcore). Muchos músicos influenciados por el
punk rock (pero con distintos intereses musicales) más tarde formarían bandas
de post-punk, heavy metal, grunge, emo, noise rock, ska, new wave, rock
alternativo y gótico. En los 90, aparece el grunge con Nirvana; más tarde
bandas californianas de skate punk y hardcore melódico seguirían vendiendo
millones de discos como Offspring, Rancid y NOFX. A mediados de los 90 el
mercado musical promovería a bandas de pop punk como Green Day o Blink-182;
asimismo, bandas de punk hardcore y street punk siguieron formándose como The
Casualties, Unseen, Blanks 77, Agnostic Front, Violent Society, Restarts, First
Step, Battery, Good Clean Fun, entre muchas más bandas.
The Kinks
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...e moitos máis!!!
agardo vos guste a escolma dos enlaces
A Meiga Tintureira
